Radio Rock Fest

Radio Rock Fest

7 marzo 2009

19-23 hrs

En el D.F., la zona metropolitana y algunos estados del interior del país, los rockeros de “palomazos”, principiantes, y que en general carecen de contratos con disqueras y una exposición constante en foros importantes, permanecen al margen de los medios de comunicación y de la industria musical, hallando en cambio espacios de difusión en redes sociales de internet como Myspace y, de manera más importante, participando en pequeños festivales como Insite*, La batalla de las bandas, Inter Rock Fest y más recientemente, Radio Rock Fest. Éstos les significan una oportunidad única para foguearse como músicos en vivo, y con suerte, hacerse de escuchas.

En esta ocasión el cartel ofrece una amplia gama de géneros, así como de bandas novatas y otras con trayectorias que datan de casi 10 años. No sorprende que en la mayoría de las presentaciones resalte el carácter improvisado, la falta de “voz artística” o la repetición sin un ápice de ironía de lugares comunes del rock: el vocalista fingiendo un tono varonil, guiñiendo el ojo a las “preciosas en primera fila”, su personalidad de entertainer dominando el escenario y vestido de estrella de rock con los jeans rotos, la chamarra de cuero, el cabello engominado o la camisa abierta que muestra el pecho viril, las letras sobre éxito, chicas, “energía”, los solos de batería y guitarra virtuosistas, y un largo catálogo de presunciones que forman parte de la mitología del género de la que muchos de estos músicos parecen no tener ningún interés  por distanciarse.

En ese tenor se inscribe el hard rock de Sorrento de Saren o K.D.N.A. Perpetua, con su baterista showman y un par de vocalistas armonizando antagónicamente en un concurso imaginario por resultar “líder”. La porra es su familia, amigos y comité vecinal, y uno que otro creyente. En cambio el rockabilly sin mayor pretensión que el baile divertido de Los Boogie Street, oriundos de “Ecatepunk” y aún siendo deudores totales de Los Gatos en cuanto a temas, letras, actitud y hasta peinado, resultó ser una amena muestra de que el rock, con todo y sus clichés, aún puede emocionar, y los Boogies lograron poner a bailar hasta a las porras ajenas.

Digna de subrayarse también fue la presentación de los experimentados Bajo Presión, defeños que desde 2002 han estado coqueteando con un pop-progresivo ligero que recuerda por momentos a los mexicanos noventeros de Crista Galli o Fratta, y hasta al Marillion de Steve Hogarth. De ellos puede esperarse un buen pop fresco si trascienden ese afán por temas de amor predecible y los innecesarios riffs rockeros.

Con todo, festivales como Radio Rock Fest representan una plataforma importante para el rock marginal del país; mas en ellos se debe procurar la incursión en el cartel de grupos más ambiciosos, con aspiraciones profesionales y mayor bagaje musical, así como una línea temática que no mezcle arbitrariamente géneros y donde la porra no sea la medida del talento.

* Ver Festival Insite, Lunario, CAN 2008.

Beirut

Beirut

19 febrero

22:00 – 12:00

Pocas visitas como la del veinteañero estadounidense Zach Condon, alias Beirut, han suscitado tanto interés en el público mexicano. Con un par de conciertos llenos, la fascinación por este joven se puede atribuir a que es de los pocos músicos que dentro del indie han sabido romper con su característico anglocentrismo. Alejado de alusiones obvias, la repisa de discos de Condon debe tener un espacio privilegiado para el folk norteamericano, báltico, mexicano y la canción tradicional francesa. Su acercamiento a estas culturas, tan frecuentemente incomprendidas en Estados Unidos como algo exótico, ha sido fundamentalmente a través de la música. En mucho han ayudado esos paseos de mochilazo que ha tenido desde los 15 años de edad a zonas como Europa del Este que para él son remotas, pero sólo en un sentido geográfico y lingüístico.

Porque la música de Beirut difícilmente podría inscribirse dentro de ese género híbrido en el que entra todo, que es el “World Music”. Condon es más explorador que turista, su interés no es apropiarse de la cultura ajena ni mucho menos observar detrás de la cerca. Gulag Orkestar, primer disco escrito en la intimidad de su dormitorio, es el equivalente sonoro de quien narra sus travesías en un diario, más interesado por darle un sentido de permanencia a sus impresiones que por la reacción que éstas puedan generar.

Después de aquél disco de orquestaciones y metales dramáticos, Condon desempolvó sus viniles de Jacques Brel y Serge Gainsbourg, rindiendo un sentido tributo en The Flying Club Cup, y tras varios EPs, en la primavera de 2008 se mudó a Teotitlán del Valle, Oaxaca, donde colaboró durante seis meses con la Banda Jiménez en un EP de canciones nupciales y funerales, titulado March Of The Zapotec, un disco donde el luto y la celebración por la vida son contrastados por la intensa expresividad de los instrumentos de aliento. Para su debut en la capital mexicana, la expectativa era que Condon invitara a los músicos oaxaqueños. Lamentablemente, la banda que lo acompañó es diligente para un proyecto de simple pop, pero en sus manos, Gulag Orkestar y March Of The Zapotec, los trabajos clave de Beirut, parecen interpretados por una estudiantina con más entusiasmo que oficio. Ante ello, el público reaccionó excesivamente generoso. El tecladista y desastroso acompañamiento vocal, Paul Collins, afirmó, azorado, que en ningún otro recinto se les había recibido con tanta emoción. Lo que sí valió la expectativa fue la interpretación vocal de Condon, su estridente trompeta y el simple par de acordes que toca con un ukelele. El set list fue un popurrí de sus tres discos principales; de lo más destacable resultó su versión de La Javanaise de Gainsbourg, la ligera A Sunday Smile y desde luego, Gulag Orkestar.

Dice Condon que siente la necesidad de hacer muchas cosas antes de cumplir 30 años y que después de eso, todo será una página en blanco. Habrá que esperar a que no sólo sus proyectos de un disco de hip hop y folclor alemán antecedan ese destino, sino que como sucede con Gogol Bordello y Sufjan Stevens, sus ambiciones folcloristas encuentren eco en la interpretación directa.

Simplifires / Descartes a Kant

Simplifires
Descartes a Kant
13 diciembre, 22:15 – 12:30


Noche de indie rock ruidoso con el grupo mexicano-irlandés (“Mexirish”, le llaman a su sonido) Simplifires, formado en Londres por Shine (guitarra), Rodrigo (bajo) y Dave O (vocal), que en menos de dos años ha logrado incursionar en el mercado anglosajón, particularmente en el sur de Estados Unidos, y contar en casa con una creciente base de seguidores en el centro del país (Toluca, Cuernavaca, Querétaro, León, Aguascalientes, San Luis Potosí y D.F.) después de un año de giras, eventos promocionales y una destacada presentación en el festival La Colmena (Morelos, verano de 2008) como teloneros de Sigur Ros. 


El cuarteto con vocalista irlandés que felizmente ha cambiado la Guiness por el mezcal, está a tono con los exponentes del “indie de estadio”, como son Chikita Violenta y Los Dynamite. A diferencia de éstos, Simplifires está en el proceso de hallar voz propia: Why People Make Countries, su primer LP, suena rebasado por la influencia de U2 y el estilo vocal de Dave O lo hace sonar como un Chris Cornell que no logra engranar sus letras con las melodías de Shine, demasiado básicas y parecidas entre sí, todo ello a pesar de contar con una respetable producción a cargo de Phil Vinall (Radiohead, Placebo).


En vivo compensan esa falta de solidez con el entusiasmo a toda prueba de Dave, haciendo malabares vocales y saltos al mismo tiempo, comunicándose en un español aún limitado pero efectivo, pues logra que el público le responda con la rutina prevista de los conciertos: coreando los temas más conocidos, gritos alocados tras frases de cajón como “Venga, Méxicoooo, ¿están listos?”.


En el mismo tono se encuentran los invitados Descartes a Kant,  disfrazados de Santa Clos y tocando con intrumentos de juguete “música de personalidad múltiple que sufre episodios bipolares”. Su par de vocalistas, ataviadas con negligés bajo el disfraz y actitud de heroinómanas, literalmente estepan y gimen historias de violaciones perpretadas por su padre, entre otros temas. 


Simplifires y Descartes a Kant representan el lado más estridente del indie rock, del cual se puede decir cualquier cosa, menos que su oferta no es amplia.

New Kids On The Block

New Kids On The Block

2 Diciembre

21:20 – 23:20

Queremos que las fans se den cuenta de que su corazón estaba en el lugar correcto hace tantos años, y que la espera valió la pena – Donnie Wahlberg

De regreso y mejorados

Hace más de veinte años que los New Kids On The Block cimentaron el camino para el hoy tan exitoso género boy band. Hoy regresan por algo más que una celebración de la nostalgia o un contrato de negocios. De acuerdo a Donnie Wahlberg, el grupo recibió durante años ofertas millonarias para reuniones, pero ésta se ha llevado a cabo por iniciativa de los cinco miembros: “Queríamos hacerlo hasta sentirnos listos. Nos reunimos a grabar porque quisimos. Siempre he protegido el legado de los New Kids; estamos de vuelta para algo más que la histeria y la fama, no sólo para revivir algo, sino para hacer algo nuevo”. Si bien esa novedad, que lleva por nombre The Block, no es lo que motivará al público de los New Kids a asistir a esta gira, el disco retoma la influencia del hip hop tan notoria en las últimas producciones del grupo antes de desintegrarse en 1994.

Después de un excelente show telonero con el glam-hip hop de Lady GaGa, en las pantallas del Auditorio una breve película nos recuerda a los Kids durante el periodo 1988-1993 y el fenómeno de histeria adolescente que provocaban durante sus conciertos. Los gritos de las otrora púberes son ensordecedores cuando aparecen los rostros de los guapos: Jordan y Joe.

De ahí una plataforma móvil asciende en la mitad del foro, de la cual aparecen los cinco Kids. En su concierto se entrelazan éxitos, sencillos nuevos y un par de temas solistas de Jordan y Joe. The Right Stuff, el sencillo que les dio a conocer internacionalmente, tiene un fondo grave provisto por la espléndida sección rítmica que suena perfecto para una pista de baile. El popurrí de baladas –Didn’t I blow your mind, Valentine Girl– pone de manifiesto que la de Jordan Knight sigue siendo la mejor voz, con su clara influencia R&B. Joe McIntyre también ha madurado estilo y Please don’t go girl suena mejor que cualquier balada actual en el Billboard. A Donnie Wahlberg se le ha ido la voz, mas no la habilidad para interactuar con sus fans con un español no muy amplio pero sí gracioso, autodenominándose  “no el papacito, sino el papasote” de la noche. Los otros dos siguen siendo los tímidos de ayer y sólo proveen coros.

El soul de los chicos guapos

Para Dirty Dancing, tema del nuevo disco y referencia a la película homónima, unas bailarinas intentan seducir a Wahlberg, más interesado en mover su trasero sin lograr exactamente sensaciones sucias ni mucho menos sexy. Cover Girl hubiera sonado floja sin los coros esenciales de las fans. De nuevo Jordan Knight  y sus imposibles falsetes al frente de Tonight y después solo y provocador (sin camisa) con Baby, I believe in you y Give it to you, su tema solista más sonado en la radio estadounidense. Junto a las carreras de Jordan y Donnie, la de Joe McIntyre ha sido de las más fructíferas, con sus constantes intervenciones como actor en Broadway, obras de teatro y musicales en su natal Boston, apariciones en series de televisión, y su par de discos solistas. Toda esa experiencia es notable en las intervenciones histriónicas del “bonito” McIntyre, particularmente durante su interpretación de Stay the same [ojo, no estoy segura de que sea el título], antes de que los NKOTB salieran enfundados en elegantes trajes blancos para un par de temas nuevos que no tuvieron mayor resonancia entre el público: Click, Click, Click y una desangelada Summertime. Más tarde y después de dejar en el camerino sus camisetas de la selección mexicana de futbol, regresaron sabedores de cuáles eran las canciones favoritas esperadas de la noche, para así cerrar el concierto con aquél éxito de 1989 llamado Hangin’ Tough , y, desafiantes con sus máscaras de Blue Demon mientras Wahlberg hacía body surfing en las primeras filas, ofrecieron una versión casi disco de Steb by step. El regreso de New Kids On The block puede considerarse no sólo como un reencuentro post-adolescente, sino como una muestra poco nostálgica de buen Pop-R&B blanco.

Cronología

1985

Maurice Starr, productor de Rhythm & Blues bailable, decide trasladar el formato de su exitoso grupo New Edition a uno nuevo, esta vez conformado por adolescentes blancos. Las audiciones se llevan a cabo en Boston entre 500 adolescentes, entre los cuales participan Donnie Wahlberg, de 15 años, junto a su hermano menor, Mark, y su amigo de la infancia, Danny Wood. Los tres son los primeros miembros de Nynuk. Wahlberg, seleccionando por sus dotes de showman, recluta a otro amigo, Jordan Knight, y a su vez éste a su hermano mayor, Jonathan.

1986

Mark Wahlberg deja el grupo y en su lugar entra Joe McIntyre de 12 años. El nombre de esta nueva alineación cambia a New Kids On The Block y publican su primer disco homónimo, inspirado en el bubblegum pop de los sesenta. El disco no logra buenos resultados a nivel nacional, pero el sello Columbia sigue apoyando a los chicos para un segundo álbum.

1988-1989

El sonido y la imagen de NKOTB se distancian del pop ingenuo y los colores pastel para adoptar un sonido más bailable y un aspecto más duro. Con chamarras de piel y gomina en el pelo, los Kids tienen en Hangin’ Tough un disco para conquistar chicas. Teloneros de Tiffany, la gira les permite darse a conocer en Estados Unidos y al cabo de un año, el video de The Right Stuff  en MTV los convierte en uno de los grupos más conocidos. Cinco sencillos alcanzan el primer lugar del Billboard. La fama de los Kids fue tan repentina y masiva que Tiffany se convirtió en su telonera.  El disco consiguió ocho discos de platino y hacia el final del año, Starr produjo un álbum de navidad titulado Merry, Merry Christmas, de doble platino.

1990-1991

Step By Step es su cuarto LP y el más exitoso. Co-escrito por Starr y los Kids, la gira The Magic Summer Tour los llevó a las principales ciudades del mundo. Sus ventas ascienden a veinte millones de copias. Los multimillonarios ingresos de los NKOTB no fueron sólo por concepto de ventas de discos, sino por mercancía, giras y su propio canal de pago por evento en televisión por cable, así como un club de fans que cobraba por membresía y una hot-line. Se estima que en este periodo, la ahora marca NKOTB alcanzó ingresos por más de 400 millones de dólares. En 1991 dieron su primer concierto en México, en el Palacio de los deportes.

1992-1994

Con el advenimiento del grunge y más tarde el Brit-pop, el estilo de los Kew Kids era cada vez menos popular. En este periodo editaron una recopilación de éxitos, un disco de remixes y el LP Face the music, sin lograr siquiera una cuarta parte de las ventas de sus antecesores. El grupo se desintegró en 1994.

2008

Donnie Wahlberg es el responsable de reunir a sus cuatro compañeros tras escuchar el demo Click, Click, Click, escrito específicamente para los New Kids por el canadiense Nasri Atweh. El sencillo, así como el LP The Block, fue producido en abril por Atweh y nombres consolidados dentro del hip-hop y R&B como RedOne, Polow da Don, Timbaland, Teddy Riley, Hakim Abdulsamad, Akon, Adam Messinger, Emanuel Kiriakou y Fernando Garibay. NKOTB regresan a México y se presentan por primera vez en el Auditorio Nacional.

Insite

Insite

29 noviembre

21 - 23 hrs.

Desde que el movimiento emo generó notoriedad nacional en 2007 tras la golpiza propinada a adolescentes de aspecto emo en Querétaro, gobernantes, promotores, artistas y administradores de foros públicos han intentado estimular la tolerancia hacia ésta, la villana favorita entre las manifestaciones de la música popular. Con ello han ido aumentando en varios puntos del país las agrupaciones, conciertos y el público que se identifica como emo. Insite es uno de los grupos que mejor representan algunos aspectos atribuibles a ese género: por definición, la emotividad exacerbada, así como la bipolaridad entre el verso tranquilo y el estribillo estridente. Mas su música no se circunscribe únicamente al emo, sino que es considerada por ellos mismos como una fusión de géneros “sensiblemente rudos”, por llamarle de alguna manera a esta muestra de punk, metal y emo.

Formados en 1999 por Konrado, Kar, Goy, Gabriel y Miky tras haber participado en la banda Donnie Brasco, cantaban en inglés y español. Firmaron con la disquera independiente Movic Records. Con tres álbumes (Otra historia, 2004, Una vida no es suficiente, 2007 y Esperando a que amanezca, 2008) y un destacado cóver al grupo Bronco, Insite ha aprovechado con buenos resultados las redes sociales como Myspace para darse a conocer más allá de las fronteras mexicanas, particularmente en España, ofreciendo la descarga gratuita de sencillos y añadiendo a la oferta del disco souvenirs como pulseras o pins para estimular la compra de música oficial en tiempos de descargas ilegales y piratería.  

Es cierto que la fusión como género suscita más aversión que gusto, pero a Insite no le ha ido nada mal esta noche con la generosa entrada que han logrado en el Lunario. En definitiva, si la fusión no es lo tuyo, hay que guardar sana distancia con sus exponentes. En cambio los seguidores pudieron apreciar de estos originarios de Mexicali un verdadero “sonido monster” durante dos horas, donde la intención parecía ser reventar el sistema de amplificación con decibeles injustificablemente altos y canciones de 3 minutos en las que lo mismo entran baladas seguidas por riffs metaleros, alaridos emo y de las letras que se podían distinguir entre ese tsunami de ruido, frases hechas sobre las relaciones sentimentales. Un coctel explosivo que distingue a estos norteños como un exponente bastante competente dentro de su género.

Zoé

Zoé

27 noviembre

20:45-22:30

Más que escribir poesía me late escribir imágenes, que igual la línea de arriba no tiene que ver con la línea de abajo pero que al final tienen coherencia – León Larregui

Con ustedes: Reptilectric

En su tercera presentación* en el Auditorio Nacional, promoviendo el nuevo disco, Reptilectric, así como repasando siete años de carrera, Zoé se ha despedido de añadidos escenográficos e invitados, con la intención de privilegiar un par de horas tocando estrictamente lo esencial para los devotos del grupo: las canciones, con un discreto acompañamiento visual en pantallas y las breves intervenciones del vocalista. ¿El resultado? Un concierto donde  la austeridad permite centrar la atención en poco más que las cualidades de los temas, su interpretación y la fenomenal recepción que ha recibido el grupo. Es cierto que no son de sorprender las reacciones apasionadas y casi de culto que se observan en los recintos de conciertos masivos, pero en lo que respecta a Zoé, su público se roba los vítores. La gran mayoría no debe pasar de 25 años, hombres y mujeres en igual proporción, con algunos niños y miembros de los 50+ colados, todos develando minuciosamente con sus sobreexcitadas cuerdas vocales las indescifrables letras de León Larregui, haciendo el signo headbanger o el movimiento brusco de cabezas al ritmo de los temas más movidos o brincando en pareja cuando empieza la canción predilecta.

Larregui o el relevo del front-man carismático

Para el no converso a la música de Zoé, lo que más llama la atención de este grupo no son sus hábiles –aunque rebuscadas– referencias a la psicodelia británica de los 70, sino la fascinación que su compositor provoca entre sus seguidores. En los últimos 15 años, nadie en América Latina había tomado la estafeta de esa figura del compositor/vocalista carismático y reverenciado desde Gustavo Cerati o Saúl Hernández, músicos con los que León Larregui comparte cualidades más como figura central que musicales. Sin la facilidad para la melodía del primero ni las obsesiones por lo autóctono del segundo, ni el desparpajo sobre el escenario de los dos, Larregui ha logrado, con sus letras personales y su timidez, conectar con quienes ven en él parte de sí mismos, como suele ser.

Musicalmente Zoé posee una discografía en la que a veces es imposible distinguir una canción de otra; melodías planas que se pierden entre tanta ambientación. Estos originarios de Cuernavaca rara vez hacen más que revisitar el rock anglosajón de su preferencia (David Bowie, The Cure, T-Rex, Pink Floyd…), siempre cuidadosos de las formas que dan resultado, fijación por la cual se les ha criticado. Pero a su favor hay que decir que lo hacen no sólo con absoluta convicción, sino con destreza; se nota que han ensayado hasta los errores de Dark Side Of The Moon, Disintegration o la referencia más obvia, Ziggy Stardust. En esta celebración de poco más de un lustro haciendo música, los cortes del flamante Reptilectric se distancian del estilo que caracteriza a Zoé, en una búsqueda musicalmente más cercana a Latinoamérica y líricamente más crítica al poder, de acuerdo al compositor. Quizá por eso, a pesar de ser más de la mitad del set list, se difuminaron entre las favoritas: Fotosíntesis, Vía Láctea, Dead y Love. Es el sino del éxito: la condena a la repetición y el desinterés por lo nuevo. En el caso de Zoé, no debe hacer mucha mella.

*1 septiembre  y 25 octubre (Lunas) 2005

Cronología

1997

Cuatro preparatorianos de nombre León Larregui, Beto Cabrera, Sergio Acosta y Jesús Báez se conocen tras haber integrado distintas bandas no profesionales. Con la idea de firmar con una disquera internacional, practican hasta dominar su instrumento y distanciarse de grupos hueseros, y forman Zoé.

2001

Tras años tocando en pequeños recintos, graban su primer disco homónimo con el productor británico de new new wave, Phil Vinall (Placebo, Elastica, Pulp, Gene). Los 13 temas son un ejercicio que remite inmediatamente a ese género, y que les redituó un creciente número de escuchas y atención por parte de la prensa. Saúl Hernández de Caifanes colaboró en la composición de “Electricidad”.

2003

Rocanlover es su disco más celebrado hasta el momento. Coqueteo entre el rock y la electrónica, los sencillos Love y Fotosíntesis se mantienen como favoritos de los seguidores. El disco se promueve con éxito en Estados Unidos. 

2006

Tras un EP (The Room) que les valió disco de oro y su salida de Sony Records, la independiente Noiselab los ficha para un LP de título Memo Rex Commander y el corazón atómico de la vía Láctea, un conglomerado de alusiones a David Bowie y Pink Floyd, así como a las fijaciones cósmicas de Larregui, obsesionado desde niño con la idea de ser astrónomo. Se convierten en uno de los exponentes de rock mexicano más exitosos fuera del país, haciendo giras por Estados Unidos y América Latina. Llenan recintos de gran capacidad como El palacio de los deportes.

2008

Después de trabajar en un DVD (281107, grabado en vivo en El palacio de los deportes), se desconectan del tema astral para la producción de Reptilectric, a cargo de Vinall. Los motivos de este disco son por primera vez abiertamente políticos,  denominados por el propio León Larregui como “globalifóbicos” . Se presenta el disco oficialmente en el Auditorio Nacional.

Jorge Villamizar

Jorge Villamizar

9 Octubre

10:40 – 12 hrs

Sin duda que la trayectoria profesional de Jorge Villamizar es atípica como pocas: Graduado en la Escuela Naval de su natal Colombia, partió a Londres para cursar Ciencias Políticas y después a Miami para un posgrado en Administración de empresas. Llama la atención que mientras la vasta mayoría de “luminarias en ciernes” pasan años estudiando en academias de formación musical y escénica, demasiado preocupados por fabricarse una imagen artística, Villamizar es de esos extraños casos en donde todo en la vida apunta hacia cierta dirección, y de pronto, un algo nos hace replantear el camino. A ese algo han venido a prestarle atención incondicionales seguidores esta noche, porque no es menos que el alma que imprime este colombiano a sus canciones, armado con una guitarra y un ingenio inusual en la música pop latinoamericana. A Villamizar no sólo se le apareció esa musa por la que tantos se cortarían el meñique, sino que como influencias alude a esa formación básica como la leche y el hierro: The Beatles, de quien su madre era admiradora, así como Joaquín Sabina, Víctor Manuel, Silvio Rodríguez, Pablo Milanés y música folclórica de los Andes.

Entre esas horas perdidas del colegio, Jorge tomaba la guitarra y un día se dio cuenta que era bueno para escribir estribillos con ganchos y letras con humor inteligente, sentimentales mas no trilladas. Formó en Miami el grupo Bacilos, conoció a gente del medio que reconoció inmediatamente su originalidad y en poco tiempo sus canciones le procuraron establecerse como un favorito de radio y televisión, y más notablemente, de colegas que han incluído en sus discografías temas escritos por Villamizar, como Paulina Rubio y Julieta Venegas. Después de tres discos con Bacilos, los temas de Jorge son cada vez más personales, por eso que ha decidido mudarse a la ciudad de México y desde aquí comenzar como solista, siendo su debut en Lunario.

Una clave para entender la relación entre él y sus seguidores es la siguiente: tras presentar a su grupo acompañante (dos tijuanenses, un bonaerense), afirma que en esta nueva etapa no está aprendiendo a ser  solista, sino a estar solo, aludiendo a su reciente divorcio. Tal franqueza permea en sus canciones, particularmente las acústicas, sin acompañamiento, como mejor suena: directo, íntimo y, sin empacho, al borde de la canción confesional. Es natural que el público se involucre totalmente en sus nuevos temas, a la vez de festejar los éxitos, todos interpretados y la balada bailable que sus seguidoras demandaron en el segundo encore:  Tabaco y Chanel. Lejos del cliché del romanticismo de lírica reciclada, la denuncia social o el regionalismo, la de este autodenominado “colombiano errante”, es una muestra de que la canción popular latinoamericana va por buen rumbo.

Mercury Rev

Mercury Rev

26 septiembre

22:30 – 12:00

En una ciudad donde la diosa fortuna rara vez arroja los dados a nuestro favor, a algunos les sonará desproporcionado hablar de una alineación cósmica en el concierto de Mercury Rev. A ese evento celestial hay que atribuir, en primer lugar, lo que sucedió esta noche, y en segundo, a que Jonathan Donahue simplemente tiene un espíritu tan vasto e inquieto que no cabe en sí mismo. Hay que contemplarlo con el ánimo a tope y el pecho a punto de estallar, sus enormes ojos ligeramente desorbitados, en un fascinante diálogo con sus ninfas, que no ha tenido reparo en compartir: una belleza oscura y misteriosa, la de Donahue y compañía, a la que accedemos directamente. Debieron avisar, empero, que a este concierto tornado cofradía, entraríamos de lleno con ese sonido orquestal y sobrecogedor que el grupo ha estado perfeccionando durante los últimos diez años: de los primeros arpones al corazón sería Holes, esa vigilia taciturna y frágil de casi seis minutos de duración, que literalmente hizo llorar a varios. Jugo de ojo lubricando mejillas durante hora y media y ni a quién le importe la escasez de pañuelos, al fin que exaltaciones como éstas no se dan todos los días y además nos ha tocado juntos, qué mejor.

Los detalles casi imperceptibles que Mercury Rev y su productor estrella, Dave Fridmann, han logrado en el estudio, detonantes de dramatismo en temas como el mencionado, You’re my queen o la joya de la corona, The dark is rising, han sido magnificentemente reconstruidos en vivo. Nunca sabremos cómo es que sólo cinco músicos con instrumentos convencionales logran esa ambientación sinfónica. Tampoco sabremos exactamente qué es lo que llevó a Jonathan a experimentar en 1998 una voltereta radical no sólo de sonido, sino de vida, como afirmó en entrevista a un diario local, pero de que a su grupo le significó un antes y un después, no hay duda: Pocos podían creer que uno de los mayores exponentes de la psicodelia ruidosa de principios de los noventa fuera capaz de guardar los pedales de distorsión y sorprender con un disco tan íntimo y cristalino como Deserter’s Songs. Para muchos de los presentes, este disco, junto al Soft Bulletin de The Flaming Lips, significa el Grievous Angel o el Pet Sounds de nuestra generación: esas gemas en las que nuestro yo más hondo se refleja y halla eco. Con el caleidoscopio sónico de Mercury Rev más vale pasar por alto las definiciones estrictas de género: en su carrera hay resonancias varias; las ensoñaciones mágicas del Treasure de Cocteau Twins, la melancolía de Gene Clark, la cósmica americana y contemplativa de Gram Parsons, las proyecciones astrales e insuperablemente tiernas de Curt Boettcher/Gary Usher… Pero como una muestra de que estos nativos de Nueva York tienen en la dupla Donahue/Grasshopper compositores de la más alta talla, su paleta de sonido se expande hacia lo electrónico en su LP titulado Snowflake Midnight que se estrena el próximo 29 de septiembre. El sencillo Senses on fire, interpretado hoy, además de señalar con todas sus letras de lo que está hecho Donahue, es la puerta de entrada a un trabajo al que hay que prestar atención obligada. Mercury Rev: de los artistas más relevantes en la actualidad.

Julieta Venegas

Julieta Venegas
18 septiembre
20 – 22 hrs.

“Yo la verdad es que no me caso con ningún estilo, no soy una rockera recalcitrante, yo soy compositora”  - Julieta Venegas

De la adolescencia rockera a la madurez melosa
No hace mucho que la oriunda de Tijuana figuraba en las listas de los jóvenes más prominentes dentro del rock mexicano; desde su años mozos en el combo de ska/rock Tijuana No, pasando por su colaboración con Fratta en el grupo de rock experimental La Milagrosa, hasta la edición de su primer Unplugged en 2008, Julieta ha mostrado ser demasiado inquieta para conformarse con el papel de rockera. Si se le ha de ver dentro de algún rol, sin duda le entusiasma mucho más el de compositora y multi-instrumentalista, y su tercera década de vida ha coincidido con un manifiesto interés por alejarse de las guitarras para producir un pop más afable y meloso.

Riffs más, riffs menos, lo de Julieta siempre ha sido el pop romántico. 2003 fue el año que sin duda le significó una ruptura de género musical y de fronteras geográficas, con el álbum Sí convirtiéndose en un favorito inmediato de habla hispana y procurando a su autora fama internacional y prestigio, pues no sólo el Grammy, sino sus contemporáneos la reconocen como una de las compositoras más jóvenes y con menos complejos por entrarle de lleno a un género que con tanta frecuencia resulta fácil y superficial. 

Y si es cierto que el verdadero talento viene desenchufado ¾ idea tan en boga durante los 90, cuando se puso de moda el Unplugged¾, la de hoy es una cantautora que dice más con menos: finalmente ha encontrado su voz y ésta destaca con una instrumentación austera, sin ruido, ni accesorios y demás distracciones escenográficas. Como ella es la suma de la gente que admira y con la que trabaja, para su segunda visita al Auditorio Nacional[1] presenta un Unplugged denominado El Presente, recital presentado originalmente en la cadena MTV. El éxito de esta sesión/disco ha sido tal a menos de un año de su publicación, que se ha programado una gira por las principales ciudades de Estados Unidos, Latinoamérica y Europa.

Hallando su identidad
Los invitados de esta noche son Cecilia Bastida (ex vocalista/tecladista que suplió a Venegas en Tijuana No y ahora solista), Natalia Lafourcade, con quien interpreta el tema de la película Amores perros (Amores perros: me van a matar), Juan Son de Porter en un psicodélico atuendo (vestido de pizza), y Joselo y Meme de Café Tacuba. Junto a los tacubos, Julieta compuso la banda sonora de la cinta Quemar las naves. 

No es coincidencia que el tema principal de esta película, Mi principio,  haga alusión a la apasionada búsqueda y hallazgo de la identidad a través del arte por la que pasa el protagonista: algo semejante ha sucedido en la carrera profesional de Venegas. Solista y en el nicho del pop meloso ha encontrado “su verdad”. Y la cuenta con la voz entrecortada cuando presenta sus temas, sobrecogida de su característica timidez. No se le olvida ninguno de sus temas de cabecera: Esta vez, Mira la vida, Eres para mí. Y como hace tres años en este recinto, deja lo mejor para el final.

El hit de su trayectoria es esa asumida cursilería, la insuperablemente amielada declaración de amor con suspiros como estribillo, titulada Andar conmigo, el rogado encore. A pregunta expresa, “dime si tú quisieras andar conmigo, oh oh oh…”, su Romeo de diez mil cabezas le contesta que sí, cómo no, “¿para cuándo fijamos fecha?”. Ahora le cumples, Julieta.

Cronología discográfica
1997 Aquí. Entrenada como pianista clásica durante su infancia, flirteando con el rock/ska durante su adolescencia, y retomando el piano en su proyeto La Milagrosa, Julieta se enrola en carrera solista con Gustavo Santaolalla en la producción de su primer largo. Resuenan en éste las voces de Tori Amos y Ana Torroja. Pop delicado, letras personales, y el acordeón como instrumento principal y homenaje al sonido del norte de México.

2000 Bueninvento. De nuevo colabora con Santaolalla, Meme y Joselo de Café Tacuba y el productor Toy Hernández (Control Machete) con una temática similar a su trabajo previo pero un sonido más agresivo, cercano a su amiga y contemporánea Ely Guerra, y coqueteando con el tango en “Abandonada”. Es nominada al Grammy Latino en las categorías mejor disco del año y mejor canción rock (Hoy no quiero).

2003 Sí es a la vez título y respuesta a la pregunta central del disco: “Dime si tú quisieras andar conmigo”, el inicio de un tórrido affair entre Julieta y un público que de la noche a la mañana se multiplicó con semejante propuesta. Andar conmigo y canciones aledañas le procuran a su autora ventas que rebasan el millón, fans con ojos de borrego y giras más allá de las fronteras mexicanas, y para la industria musical de este país, un reencuentro con la balada romántica que por primera vez en muchos años suena pegajosa y no reciclada. El sonido fue diseñado por Coti Sorokin (Andrés Calamaro, Shakira, Enanitos verdes, Paulina Rubio) y “Cachorro” López (Charly García, Miguel Mateos).

2006 Limón y sal. La portada muestra a Julieta con una mirada coqueta, chupando un limón y con la mano espolvoreada de sal. Continúa con la línea de melodías suaves iniciada en Sí, y explorando las relaciones amorosas en sus letras, y la música de nuevo con Cachorro López como guía. Su cuarto álbum mantiene el ritmo y cantidad de ventas de su antecesor, es merecedor de varios reconocimientos internacionales, a la vez de ampliar el mercado de escuchas a Sudamérica y Europa.

2008 MTV Unplugged. Julieta balancéandose sobre la cuerda nada floja de un violín es la portada de este desenchufado, una reinterpretación de éxitos más cuatro inéditos de la tijuanense con instrumentación a base de acordeón, cuerdas, xilófono, piano y clarinete, acompañada por Gustavo Santaolalla, La Mala Rodríguez, Marisa Monte, Jacques Morelembaum y Natalia Lafourcade, entre otros. Grabado en los estudios Churubusco de la Ciudad de México, es editado en formatos CD y DVD y se le promociona con una gira internacional.

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[1] Su debut fue el 24 de noviembre de 2005.

División Minúscula

División Minúscula

Lunario

20 – 21:30 hrs.

1977. Adolescentes rufianes y aburridos beben aguarrás en las calles de Londres. Ellos pasan de cualquier orden establecido: escuela, trabajo, gobierno, familia, y responsabilidad de cualquier tipo son palabras tachadas en su diccionario de bolsillo. Lo que ellos quieren es la destrucción total con los medios que se tenga a la mano. Un ataque contra la soberana de su país, en forma de mofa con estribillo memorable es un buen comienzo: dentro de poco God Save The Queen de The Sex Pistols se convierte en himno generacional e inspiración para incontables jóvenes con el mismo espíritu anarquista y provocador, dentro y fuera de Inglaterra.

2008. Son curiosos los giros que ha dado el punk a lo largo de treinta años y pico, porque hoy a nadie sorprende que lo incendiario de aquél movimiento no pase de ser un capítulo más en la historia de la música popular. Más que asimilado por la industria musical, el punk como género ha tenido un desarrollo interesante: de los alaridos, las guitarras desafinadas y los tres acordes de rigor, hoy somos partícipes del punk melódico, meloso y hasta alegre, el que se ha reconciliado con las listas de popularidad, el de baladas para la novia en lugar de protestas contra las instituciones. En el caso de División Minúscula, el “happy punk en tu idioma”.

En los últimos años, el norte de México ha sido cuna de varios grupos que se inscriben en este tenor: Finde, Thermo, Panda, Zurdok y División Minúscula (DM), entre otros. El último, originario de Matamoros, Tamaulipas, se formó a finales de los 90 y reformó una vez que sus miembros se graduaron de la universidad. Integrado por Alex Luque, los hermanos Javier y Kiko Blake y Efrén Barón, el sonido de DM fue ideado por Toy Hernández, quien en años previos convirtió a Control Machete en uno de los grupos más populares del país. En 2001 editaron su primer LP, Extrañando Casa. Con ventas cuantiosas y la prensa musical señalándolo como el disco más representativo del género, el grupo se tomó un inusual descanso de cinco años para volver con Defecto Perfecto en 2006, sin haber perdido interés de público y prensa.

Desde entonces y con un incremento en popularidad al ser favoritos de MTV Latino, los tamaulipecos han compensado años de inactividad organizando giras y firmas de autógrafos, filmando videos y colocando sencillos en la radio. Este 2008 presentan Sirenas, un disco que con Robert Carranza en la producción, tiene variaciones en estilo. Alex Luque lo define como “un regreso al rock clásico, con un sonido más natural”. Carranza ha trabajado con artistas tan diversos como Björk, Supergrass, Molotov o The Mars Volta, logrando con su técnica de producción análoga y digital, un sonido menos estandarizado. Aunado a su trabajo previo, las canciones de Sirenas que hoy tocan Blake y compañía, suponen un giro no muy radical del punk alegre que les ha caracterizado durante años, esta vez recreando con un tecladista como invitado el sonido del nuevo disco. Su firma siguen siendo riffs prestados del hard rock, melodías y estribillos pegajosos, siempre en español tarareado por sus fans, 80% de los cuales son chicas en estado de furor, interactuando con el vocalista, gustoso de arrojar camisetas y premios a las primeras filas. Se las gana con el momento romántico de la noche, la letra de Sismo: “No sé si fue amor, pero vaya que lo hicimos de lo mejor”.

Lo dicho: la rebeldía de ayer es la escuela de mañana, y para muestra, un punk alegre de acorde duro e inofensivo.

Melt Banana

Melt Banana

Mike Pride y Jamie Saft (Kalashnikov)

Lunario

19 abril 2008

22 - 12:30 hrs

En la currícula de los norteamericanos Jamie Saft y Mike Pride hay colaboraciones con John Zorn y Bobby Previte, entre otros. Pero esta noche, sus improvisaciones se inscribieron totalmente en la escuela CURUPAPEX*. Dentro de esa rama del avant-garde caracterizada por el virtuosismo exacerbado, Pride y Saft ofrecieron cuarenta minutos de clínica de batería, vocecitas guturales, gemidos, silbatos de juguete y teclados con sonidos graciosillos.

En eso llega el ruidismo frutal cortesía de Yasuko Onuki y su Melt Banana. Ni bien se han puesto el tahalí o saludado cuando la chica simplemente toma dos plátanos y los arroja a las primeras filas: “¿Están en esto conmigo o no?”, parece demandar. Es que ella tiene el ruido y todos lo saben, en Lunario hay de plano un pandemonium por dos plátanos, todos se los pelean, y la expectación por el noise rock de estos oriundos de Tokio, es de esas que se ven, digamos, sólo una vez al año. La voltereta de ánimo fue radical con “Shield for your eyes, a beast in the well on your hand”, la estándar abridora de sus conciertos: apenas cuatro minutos que inician con una línea de bajo absolutamente pegajosa y se desenvuelve en una estructura cambiante y complicada que suena sencilla. ¿Cuál será su secreto?

Es lo de Melt Banana: composiciones inteligentes, noise desenfadado y más punk que el autoproclamado, y una actitud anti-complaciente, anti-ñoñerías. Los MB bostezan en ese desfile de vedettes con instrumentos en que se ha convertido el avant garde, pues casi sin excepción dan ganas de llamarle experimentación, pero de laboratorio: antiséptica, calculada y monótona. Escojamos cualquier tema de MB y en menos de medio minuto hay más creatividad y víscera que en el cartel completo de cualquier festival de experimentación sonora.

Debió estar aquí al que se le haya esfumado el placer por el concierto en vivo. Ichirou Agata, guitarra y cubrebocas, es un virtuoso sin el mal gusto de mostrar en público las horas diarias que le dedica a su instrumento. Él se burla de ese egocentrismo ñoño porque su habilidad, sus impresionantes triquiñuelas diapasónicas, están 100% a disposición de la canción. A Rika mm’ ya se le conoce por ser la chica discreta que mantiene a todos bailando con sus impecables líneas rítmicas de bajo. Con baterista nuevo y liderados por Yasuko y su humor a toda prueba, el repertorio de MB incluyó lo mejor de sus 15 años de carrera y concluyó con un postresote ska -cereza en su punto-: Monkey man, de The Specials. 

*Cualquier Ruidín Pasa por Experimentación

Playhouse Disney

Playhouse Disney ¡en vivo!

Auditorio Nacional

8 abril 2008

17-18:30 hrs

¡Meeska Mooska, que inicie la fiesta! – Mickey Mouse

Personajes clásicos y siempre vigentes

Desde 1997, Playhouse Disney ha sido uno de los programas para público en edad preescolar más existosos de la televisión por cable. Su contenido ha sido desarrollado por los reconocidos productores de programas infantiles Marilyn Sadler, Rick Gitelson y Roger Bollen, siguiendo estándares didácticos y con la intención de dotar a los jóvenes televidentes de habilidades para el aprendizaje que se centran en varias áreas: disposición para la lectura y las matemáticas, habilidades motrices, informáticas, para el pensamiento, la imaginación y la expresión creativa, relaciones sociales y actividades diarias. Por medio de personajes como los clásicos de Disney (Mickey y Minnie Mouse, el Pato Donald y Winnie Pooh), así como propios de la serie (Los Mini Einsteins o Handy Manny), los niños aprenden a interactuar con sus amigos jugando y participando en musicales, y de manera más notable, a adoptar un temprano gusto por la ciencia y el arte con la ayuda de Los Mini Einsteins, que como su nombre indica, son niños capaces de resolver situaciones con su ingenio y conocimientos.  

Todos los caminos nos llevan a la fiesta

El programa televisivo ya tan familiar para millones de niños, ha sido adaptado desde 2007 por la coreógrafa Nancy Gregory (The Little Rascals, Harry and the Hendersons, Elephant Parts, etc.) para su presentación en vivo en las principales ciudades del mundo. De dibujos animados a personajes tridimensionales, la obra aprovecha recursos propios del montaje teatral, así como el video, y versa sobre la historia de varios personajes que tienen que encontrar el modo de llegar a la fiesta de Mickey Mouse. En su camino, todos se encuentran con alguna distracción u obstáculo que deben sortear con la ayuda de los asistentes, quienes tienen que idear la mejor manera de transportar a sus amigos hasta la casa de Mickey, y hacerlo a tiempo.

Es interesante ver que aunque los personajes recientes –la carismática mensajera de Mickey, el obrero Manny García haciendo música con sus herramientas de trabajo, y el cuarteto de Mini Einsteins con sus acertijos y su nave- gozan de aceptación entre los niños, son los clásicos quienes se llevan desmedidas muestras de cariño, entusiasmo y atención: la ingenuidad del osito Winnie y las travesuras de su compañero, el hiperactivo Tigger, los llevan a desviarse junto a la pequeña Darby en el Bosque de los cien acres buscando miel y aventuras, e improvisar un musical con los sonidos de la naturaleza, mientras los infantes literalmente están sobre las butacas preocupados porque a sus amigos se les hace tarde.

A escena, Tribilín dando volteretas, Donald con su peculiar voz y moviendo su trasero gordo, sigue siendo el malhumorado más querido por chicos y grandes desde hace por lo menos 50 años. Finalmente los anfitriones, Mickey y su enamorada Minnie, se rehúsan a dar inicio al gran musical en su sala de estar hasta que los asistentes pronuncien las palabras mágicas aprendidas en la serie: ¡Meeska Mooska, Mickey Mouse!, una difícil contraseña que a los menos familiarizados con Playhouse, sin duda nos dejaría fuera de la fiesta y sin comprobar que aún con las innovaciones tecnológicas, los recursos mercadológicos y las actualizaciones que la compañía Disney lleva a cabo por distintos medios, sus personajes más entrañables siguen siendo vigentes en los afectos del público, y un innegable referente de la cultura popular en Occidente.

Ojo: Propongo poner a los protagonistas principales como texto extra, pues la obra es tan reciente que una cronología quedaría muy corta.

Los invitados

El Pato Donald y Tribilín. Su participación en el musical se limita a llegar a la fiesta bailando, brincando y animando a los niños a divertirse en este reencuentro con uno de sus amigos de antaño, el ratón Mickey.

Winnie Pooh, Tigger y Darby. Winnie se mete en aprietos y se pierde en el bosque por glotón. Como es usual, el olor a miel lo distrae y con él, Tigger encuentra pronto una manera de entretenerse, haciendo música con piedras y ramas, mientras su amiga Darby tiene que hacerlos entrar en razón: “llegar tarde es de animalitos maleducados”.

Handy Manny (o Manny a la obra). Latino de origen, Manny García es un obrero de la construcción que en el camino a la fiesta de Mickey, toma un descanso y junto a sus amigos, descubre que puede hacer música con sus herramientas de trabajo, las cuales imitan la forma y la voz humana.

Los Mini Einsteins. Leo, June, Quincy y Annie son los cuatro pequeños genios que gustan de conversar sobre ciencia y arte por igual. Viajan en su nave inteligente llamada Rocket, y su misión es resolver problemas o ayudar a amigos.

Los anfitriones

Minnie Mouse. La participación de la novia de Mickey es discreta. Ella tiene listos los bocadillos y recibe efusivamente a los invitados.

Mickey Mouse. La estrella del show, Mickey reparte invitaciones a sus amigos más queridos, incluidos por supuesto el público, y al iniciar la fiesta, es la voz principal del musical.

Backstreet Boys

Backstreet Boys

Auditorio Nacional

17 marzo 2008

21-23 hrs.

Epígrafe: “Puedes tener 13 ó 43 años y disfrutar de las canciones de Backstreet Boys, y eso es lo importante para hacer una larga carrera” – Brian Littrell

Reloaded, por decir lo menos

A algunos el paso del tiempo nos sienta mal y a otros peor, así que, ¿podrían los  Backstreet Boys contarnos cómo es que simplemente lucen reloaded? ¿Cuál es su secreto? Por ningún lado hacen sospechar que llevan 16 años de carrera. Pensar que en sus inicios, por ahí de 1992, la gran mayoría de sus fans aun se aplicaban loción para el acné antes de ir a dormir, ¡qué cosas! Ahora la gran mayoría ya está bien adentrada en los treinta o más. Hemos escuchado frases más halagadoras, seguro que sí, pero ni cómo hacerle, así es este juego. Dejémonos de ansiedades o de obsesionarnos con buscarle a los chicos las patas de gallo con nuestros binoculares de largo alcance, que con lo que traen hoy, ni a quién le importe tanto el pasado. 

Las sorpresitas que traen los de Orlando, Florida, van más allá de lo que entendemos como un concierto convencional. El performance preparado para hoy consiste en iniciar el recital desde un ring de boxeo, literalmente. Los integrantes se colocan en cada esquina, listos ya con calzoncillos, guantes y la adrenalina a mil para dar la pelea, si no del siglo, por lo menos de lo que se conoce como las Boy-Bands, aquella generación de grupos como New Kids On The Block, N’Sync y otros, de los cuales sólo los Backstreet Boys se han mantenido en combate y sin bajas significativas.

Puede que eso se deba no sólo a sus rostros atractivos, sino que detrás de ellos hay una cuidada producción de pop fincado en armonías vocales y sólidos ritmos negros, en especial de Rhythm and Blues, cortesía de varios productores, de los que destaca el talentoso Rodney "Darkchild" Jerkins (Michael Jackson, Whitney Houston, Lionel Ritchie…). Es el primer detalle que se nota en menos de cinco minutos de Larger than life: lo que estos chicos traen no son sólo baladas ni romanticismo, sino toda la intención de “apomponar la jamona”.

Tratamiento hormonal

En lo que respecta a los seguidores, quede la constancia de que éste ha sido el concierto que más cerca me ha puesto de la consulta con el otorrino. Velada con Backstreet Boys + tapones auditivos fue mi fórmula amiga de la noche, sin que ella impidiera, empero, resistirme a la seducción del cuarteto. Lo que ellos se traen con sus fans –no pocos varones- es algo que podríamos denominar un tratamiento hormonal; aquí hay una afectación de las sensaciones desde un nivel químico, estamos hablando de gonadotropinas, progesteronas y bilirrubinas interactivas, sustancias volátiles, sumamente inestables y a punto de ebullición; a ver quién controla a las chicas cuando lleguen a casa. Si no puedes conservar el pudor, pues ya qué, ¡suéltate el pelo! Luego añadamos que los BB se ponen a hablar quedo entre canciones, Nick el más galán se quita la camiseta y se moja el torso, Brian toquetea las manos de las de la primera fila, sus pasos de baile ponen el énfasis en los movimientos del glúteo… ¡en qué están pensando, chicas! No nos hagamos, aquí todo hace referencia a eso: cuando entonan I want it that way o Quit playing games. La intensidad cede un poco durante los hits y las baladas: Everybody, She’s like the sun, Nunca te haré llorar.

Lo de los BB no es omitir éxitos clave; éste ha sido un concierto generoso en tiempo y material, y todavía con muestras de las actividades extracurriculares de los integrantes: los trabajos solistas de Brian Littrel con su pop cristiano, el del chico malo A.J. McLean, muy en la vena de BB, la presentación del primer trabajo en solitario de Howie D. Y el pop a-hip-hop-ado de Nick Carter, quien además se la pasó bomba tocando solos de batería y desbordando pasiones.

Si estos guapos mantienen los réditos de la fama a distancia, las cosas pintan como para que nos acompañemos mutuamente en la celebración de nuestros “tres veces quince años”. O cuatro veces quince… Mejor dejémoslo así.

Cronología

1992-1995. Es un día soleado en Orlando cuando Lou “Big Poppa” Pearlman observa que los New Kids On The Block van de salida y se le ocurre hacer su propia versión de un grupo de chicos guapos capaces de armonizar y cantar a capella. Nace así Backstreet Boys con Nick Carter, A.J. McLean, Howie Dorough, Kevin Richardson y Brian Littrell como alineación original. Bob Curiano les compone, arregla y produce suficiente material para su primer homónimo, en 1995, y con Europa como mercado principal.

1997. Segundo disco homónimo pero ahora para distribución en Estados Unidos. Big Poppa se destapa como un estafador y el grupo lo despide. Su par de discos ha vendido hasta ahora más de 8 millones de copias.

1998. Una gira mundial se pospone cuando operan del corazón a Brian Littrell y la hermana de Howie D. muere de lupus. A finales del año, los BB recaudan cerca de 250,000 dólares que donan a los afectados de un tornado en Orlando. Esto les otorga las llaves de la ciudad.

1999. Reciben su primer disco de diamante por 10 millones de copias. Big Poppa se  convierte en una pesadilla, lo demandan varias veces, les ha robado más de 75% de regalías.

1999-2000. I want it that way es un sencillo sexy que funge como aperitivo de Millennium, LP del que se venden más de 12 millones de copias. Los chicos se vuelven multimillonarios. Nick romancea con Paris Hilton, Ashlee Simpson y otras famosas.

2000-2001. Black & Blue sucede a Millennium. Vende más que éste último, es el primer disco que cuenta con composiciones de los integrantes. Su gira mundial se caracteriza por tener una producción imaginativa y costosa.

2002-2004. Nick Carter publica su primer solista, Now or Never. El grupo tiene problemas legales con su sello. Brian es padre por primera vez. A.J. confiesa su adicción a las drogas en el programa de Oprah Winfrey. En 2004 visitan por primera vez la Ciudad de México y Monterrey, promocionando su LP Greatest hits.

2005. Material nuevo después de tres años. El padre de Kevin muere y éste le rinde tributo en el tema Never gone, homónimo del disco. Brian se vuelve cristiano y sus temas alcanzan el #1 en las listas cristianas. El disco tiene éxito modesto en E.U., Europa y Japón.

2006. Brian graba su debut solista, Welcome Home, otro éxito entre los cristianos. Kevin deja el grupo para continuar “otra etapa de su vida”.

2007.  Unbreakable se llama el primer disco de BB como cuarteto. Pop, rock, dance y otros géneros lo hacen un trabajo demasiado variado y las ventas no son buenas en casa. Realizan un gira mundial y visitan por primera vez el Auditorio Nacional.

https://web.archive.org/web/20170912065407/http://www.bitacoradelauditorio.com/2008/03/backstreet-boys-tratamiento-hormonal-en.html#more

Los grandes de La academia

Los grandes de La academia

24 febrero

19-22:30 hrs.

(Epígrafe) “El mundo está muy loco, yo creo que falta más amor. ¿Dónde están todas mi niñaaaaas?” – Víctor García

Y a ti, ¿te urge licenciarte en pop?

Qué bien que al menos una vez al año, los conciertos de La academia realizados en el Auditorio -y en particular esta reunión con lo mejor de cinco generaciones- continúan suscitando entre los aficionados al célebre reality show de TV Azteca ratos agradables, suspiros y hasta ambiciones escondidas, como muestra el siguiente texto que una apasionada fan mandó a la redacción de CAN…

- Hola, ¿hablo a La academia?

- Sí, ¿en qué podemos ayudarte?

- Es que ayer fui al concierto de "Los grandes de La academia" y me pasó algo muy extraño. Me cuesta trabajo explicarlo, pero lloré porque sentí el llamado del estrellato, despertó algo que había estado dormido en mí. Yo quiero ser así, como ellos. Sueño con ser una estrella y tengo entendido que ustedes pueden asesorarme para lograr mi cometido.

- No busques más, este es el lugar adecuado. Lo que tú necesitas es licenciarte en pop, y no puedes hacerlo con mejores calificaciones que en La academia. Pero vamos por partes. Dime, ¿qué es lo que más te conmovió del concierto, y qué mejorarías del mismo?

- Para empezar, me encanta que los novatos hayan tenido tanto tiempo para mostrar su talento, pero digamos que aún son demasiado bebés. Me desesperé mil por ver a los míos: los grandes. Sólo de pensar en Yahir y Víctor, me recorría un escalofrío por la espina dorsal…

- Si éste es tu llamado, sabes entonces que sólo se empieza siendo bebé

- Tienes razón amigo, es que me quiero comer el pastel de sólo un mordisco. Soy tan impulsiva. Del concierto mejoraría… ay, es que pierdo la objetividad. Mira, lo peor es que Víctor no me subió al escenario. Eso sería el primer detalle que no encaja.

- Me gusta escuchar en ti ambición, pero también debes aprender a planificar, a…

- Entraría de lleno con los grandes. Es que no se debe jugar con la expectación de las chicas como yo. Erika, Samuel, Estrella, Carlos y Erasmo me caen bien, los bailarines son de lujo y los intérpretes sorpresa como José Luis, Marco y Fredy ofrecieron presentaciones bastante animadas, pero si somos sinceros, cinco años de La academia han probado que aquí los de más callo son tres, y uno tiene que esperar hasta el final para velos. ¡Es una tortura! Nadia es una chica súper linda, tiene lo suyo, es carismática, pero aquí entre nos, yo canto mejor que ella…

- Ya tendrás tu oportunidad para manifestarlo

- Además, el mariachi que traía no es lo mío, yo que soy una chica que sueña con baladas pop románticas. Creo que sus fans tampoco estaban muy convencidos.

- Es bueno diversificar el catálogo discográfico, no perder la capacidad de sorprender a la gente…

- Bueno, no creas que estoy diciendo que estuvo mal, pero por ejemplo, yo con los temas de amor me derrito, especialmente cuando son interpretados por Myriam.

Las estrellitas en la frente son para los más aplicados

- Así que Myriam te simpatiza…

- Uf, no sabes cuánto, ¿dónde guarda semejante vocerrón? Por las noches pongo su disco en mi ipod y mentalmente imito su voz. ¡Yo estoy aprendiendo a cantar con Myriam! La chica es una diva a punto de la consagración. Es que la comparas con todas esas baladistas y dizque róckers con años de carrera, y se las lleva de corbata. Es la mejor exalumna de La academia. Me gustó tanto su interpretación de “Perfume, pecado original”. Ahora sí que como en la prepri: sólo los más aplicados consiguen las estrellitas de la miss, y Myriam ya tiene varias en la frente.

- Tienes palabras muy afectuosas para Myriam…

- Y no tengo menos para mis rorros. Debiste ver cómo me estuve mordiendo las uñas esperando a Yahir. Casi me desvanezco, es que es tan atractivo, sus baladas tan tiernas. Merece ser tan exitoso, pero no está completo sin una mujer como yo a su lado.

- Presiento que estás por contarme lo mejor…

- Déjame planteártelo como la bomba que fue para mí: Víctor es pura sensualidad vestida de cuero negro, ¡él es el hombre que yo merezco! Me conquistan sus susurros al micrófono. Su interpretación, sus guiños, sus movimientos de cadera… ahh, despierta mis anhelos más íntimos de mujer.

- Vaya, ¡qué diagnóstico! Tú tienes claro cuál es la clave para ser una grande de La academia, y a mí me urge que vengas ya a nuestras instalaciones, de hecho no puedo comprender cómo es que tardas tanto y por qué no me das de una vez tu autógrafo. ¡En La academia te estamos esperando desde siempre!

(En CAN ya se han hecho cronologías de las pasadas ediciones del evento, propongo el siguiente anexo para evitar repeticiones)

¿En qué andan dos consentidos de La academia? Buenas nuevas de Nadia y Yahir que caerán como deliciosas golosinas a los fans:

Nadia: Cuatro discos en su haber y una de las graduadas más famosas presenta esta noche su quinto trabajo de estudio, Un poco de tus besos, con temas de Amaury Gutiérrez, Angel Reyero y Reyli, entre otros. Para este disco, la oriunda de Oaxaca deja en suspenso la onda grupera que le procuró un excelente número de fans y ventas. Producido por Armando Avila, alias “El Rey Midas”, responsable de los éxitos de RBD, Aleks Syntek y la quinta estación, el disco tiene amplias posibilidades de consolidar a Nadia no sólo como una de las mejores de La academia, sino del medio artístico.

Yahir: El galán capaz de llenar el Auditorio con su sola presencia ha solicitado la colaboración de Mario Domm y Robby Draco como productores de su nuevo disco, lo que presagia un conjunto de estilos que van del funk, la balada pop y el rock. Domm ha trabajado con Alejandra Guzmán, Sin bandera, Reyli y Kalimba, además de su proyecto personal, Camila. Draco inició su carrera como integrante de Menudo y se le atribuyen los sencillos más conocidos de Ricky Martin. También ha colaborado con Julio Iglesias y Ednita Nazario. Dos ganadores del Grammy que podrían proporcionar a Yahir la plataforma ideal para convertirse en un artista internacional.