Simplifires / Descartes a Kant

Simplifires
Descartes a Kant
13 diciembre, 22:15 – 12:30


Noche de indie rock ruidoso con el grupo mexicano-irlandés (“Mexirish”, le llaman a su sonido) Simplifires, formado en Londres por Shine (guitarra), Rodrigo (bajo) y Dave O (vocal), que en menos de dos años ha logrado incursionar en el mercado anglosajón, particularmente en el sur de Estados Unidos, y contar en casa con una creciente base de seguidores en el centro del país (Toluca, Cuernavaca, Querétaro, León, Aguascalientes, San Luis Potosí y D.F.) después de un año de giras, eventos promocionales y una destacada presentación en el festival La Colmena (Morelos, verano de 2008) como teloneros de Sigur Ros. 


El cuarteto con vocalista irlandés que felizmente ha cambiado la Guiness por el mezcal, está a tono con los exponentes del “indie de estadio”, como son Chikita Violenta y Los Dynamite. A diferencia de éstos, Simplifires está en el proceso de hallar voz propia: Why People Make Countries, su primer LP, suena rebasado por la influencia de U2 y el estilo vocal de Dave O lo hace sonar como un Chris Cornell que no logra engranar sus letras con las melodías de Shine, demasiado básicas y parecidas entre sí, todo ello a pesar de contar con una respetable producción a cargo de Phil Vinall (Radiohead, Placebo).


En vivo compensan esa falta de solidez con el entusiasmo a toda prueba de Dave, haciendo malabares vocales y saltos al mismo tiempo, comunicándose en un español aún limitado pero efectivo, pues logra que el público le responda con la rutina prevista de los conciertos: coreando los temas más conocidos, gritos alocados tras frases de cajón como “Venga, Méxicoooo, ¿están listos?”.


En el mismo tono se encuentran los invitados Descartes a Kant,  disfrazados de Santa Clos y tocando con intrumentos de juguete “música de personalidad múltiple que sufre episodios bipolares”. Su par de vocalistas, ataviadas con negligés bajo el disfraz y actitud de heroinómanas, literalmente estepan y gimen historias de violaciones perpretadas por su padre, entre otros temas. 


Simplifires y Descartes a Kant representan el lado más estridente del indie rock, del cual se puede decir cualquier cosa, menos que su oferta no es amplia.

New Kids On The Block

New Kids On The Block

2 Diciembre

21:20 – 23:20

Queremos que las fans se den cuenta de que su corazón estaba en el lugar correcto hace tantos años, y que la espera valió la pena – Donnie Wahlberg

De regreso y mejorados

Hace más de veinte años que los New Kids On The Block cimentaron el camino para el hoy tan exitoso género boy band. Hoy regresan por algo más que una celebración de la nostalgia o un contrato de negocios. De acuerdo a Donnie Wahlberg, el grupo recibió durante años ofertas millonarias para reuniones, pero ésta se ha llevado a cabo por iniciativa de los cinco miembros: “Queríamos hacerlo hasta sentirnos listos. Nos reunimos a grabar porque quisimos. Siempre he protegido el legado de los New Kids; estamos de vuelta para algo más que la histeria y la fama, no sólo para revivir algo, sino para hacer algo nuevo”. Si bien esa novedad, que lleva por nombre The Block, no es lo que motivará al público de los New Kids a asistir a esta gira, el disco retoma la influencia del hip hop tan notoria en las últimas producciones del grupo antes de desintegrarse en 1994.

Después de un excelente show telonero con el glam-hip hop de Lady GaGa, en las pantallas del Auditorio una breve película nos recuerda a los Kids durante el periodo 1988-1993 y el fenómeno de histeria adolescente que provocaban durante sus conciertos. Los gritos de las otrora púberes son ensordecedores cuando aparecen los rostros de los guapos: Jordan y Joe.

De ahí una plataforma móvil asciende en la mitad del foro, de la cual aparecen los cinco Kids. En su concierto se entrelazan éxitos, sencillos nuevos y un par de temas solistas de Jordan y Joe. The Right Stuff, el sencillo que les dio a conocer internacionalmente, tiene un fondo grave provisto por la espléndida sección rítmica que suena perfecto para una pista de baile. El popurrí de baladas –Didn’t I blow your mind, Valentine Girl– pone de manifiesto que la de Jordan Knight sigue siendo la mejor voz, con su clara influencia R&B. Joe McIntyre también ha madurado estilo y Please don’t go girl suena mejor que cualquier balada actual en el Billboard. A Donnie Wahlberg se le ha ido la voz, mas no la habilidad para interactuar con sus fans con un español no muy amplio pero sí gracioso, autodenominándose  “no el papacito, sino el papasote” de la noche. Los otros dos siguen siendo los tímidos de ayer y sólo proveen coros.

El soul de los chicos guapos

Para Dirty Dancing, tema del nuevo disco y referencia a la película homónima, unas bailarinas intentan seducir a Wahlberg, más interesado en mover su trasero sin lograr exactamente sensaciones sucias ni mucho menos sexy. Cover Girl hubiera sonado floja sin los coros esenciales de las fans. De nuevo Jordan Knight  y sus imposibles falsetes al frente de Tonight y después solo y provocador (sin camisa) con Baby, I believe in you y Give it to you, su tema solista más sonado en la radio estadounidense. Junto a las carreras de Jordan y Donnie, la de Joe McIntyre ha sido de las más fructíferas, con sus constantes intervenciones como actor en Broadway, obras de teatro y musicales en su natal Boston, apariciones en series de televisión, y su par de discos solistas. Toda esa experiencia es notable en las intervenciones histriónicas del “bonito” McIntyre, particularmente durante su interpretación de Stay the same [ojo, no estoy segura de que sea el título], antes de que los NKOTB salieran enfundados en elegantes trajes blancos para un par de temas nuevos que no tuvieron mayor resonancia entre el público: Click, Click, Click y una desangelada Summertime. Más tarde y después de dejar en el camerino sus camisetas de la selección mexicana de futbol, regresaron sabedores de cuáles eran las canciones favoritas esperadas de la noche, para así cerrar el concierto con aquél éxito de 1989 llamado Hangin’ Tough , y, desafiantes con sus máscaras de Blue Demon mientras Wahlberg hacía body surfing en las primeras filas, ofrecieron una versión casi disco de Steb by step. El regreso de New Kids On The block puede considerarse no sólo como un reencuentro post-adolescente, sino como una muestra poco nostálgica de buen Pop-R&B blanco.

Cronología

1985

Maurice Starr, productor de Rhythm & Blues bailable, decide trasladar el formato de su exitoso grupo New Edition a uno nuevo, esta vez conformado por adolescentes blancos. Las audiciones se llevan a cabo en Boston entre 500 adolescentes, entre los cuales participan Donnie Wahlberg, de 15 años, junto a su hermano menor, Mark, y su amigo de la infancia, Danny Wood. Los tres son los primeros miembros de Nynuk. Wahlberg, seleccionando por sus dotes de showman, recluta a otro amigo, Jordan Knight, y a su vez éste a su hermano mayor, Jonathan.

1986

Mark Wahlberg deja el grupo y en su lugar entra Joe McIntyre de 12 años. El nombre de esta nueva alineación cambia a New Kids On The Block y publican su primer disco homónimo, inspirado en el bubblegum pop de los sesenta. El disco no logra buenos resultados a nivel nacional, pero el sello Columbia sigue apoyando a los chicos para un segundo álbum.

1988-1989

El sonido y la imagen de NKOTB se distancian del pop ingenuo y los colores pastel para adoptar un sonido más bailable y un aspecto más duro. Con chamarras de piel y gomina en el pelo, los Kids tienen en Hangin’ Tough un disco para conquistar chicas. Teloneros de Tiffany, la gira les permite darse a conocer en Estados Unidos y al cabo de un año, el video de The Right Stuff  en MTV los convierte en uno de los grupos más conocidos. Cinco sencillos alcanzan el primer lugar del Billboard. La fama de los Kids fue tan repentina y masiva que Tiffany se convirtió en su telonera.  El disco consiguió ocho discos de platino y hacia el final del año, Starr produjo un álbum de navidad titulado Merry, Merry Christmas, de doble platino.

1990-1991

Step By Step es su cuarto LP y el más exitoso. Co-escrito por Starr y los Kids, la gira The Magic Summer Tour los llevó a las principales ciudades del mundo. Sus ventas ascienden a veinte millones de copias. Los multimillonarios ingresos de los NKOTB no fueron sólo por concepto de ventas de discos, sino por mercancía, giras y su propio canal de pago por evento en televisión por cable, así como un club de fans que cobraba por membresía y una hot-line. Se estima que en este periodo, la ahora marca NKOTB alcanzó ingresos por más de 400 millones de dólares. En 1991 dieron su primer concierto en México, en el Palacio de los deportes.

1992-1994

Con el advenimiento del grunge y más tarde el Brit-pop, el estilo de los Kew Kids era cada vez menos popular. En este periodo editaron una recopilación de éxitos, un disco de remixes y el LP Face the music, sin lograr siquiera una cuarta parte de las ventas de sus antecesores. El grupo se desintegró en 1994.

2008

Donnie Wahlberg es el responsable de reunir a sus cuatro compañeros tras escuchar el demo Click, Click, Click, escrito específicamente para los New Kids por el canadiense Nasri Atweh. El sencillo, así como el LP The Block, fue producido en abril por Atweh y nombres consolidados dentro del hip-hop y R&B como RedOne, Polow da Don, Timbaland, Teddy Riley, Hakim Abdulsamad, Akon, Adam Messinger, Emanuel Kiriakou y Fernando Garibay. NKOTB regresan a México y se presentan por primera vez en el Auditorio Nacional.

Insite

Insite

29 noviembre

21 - 23 hrs.

Desde que el movimiento emo generó notoriedad nacional en 2007 tras la golpiza propinada a adolescentes de aspecto emo en Querétaro, gobernantes, promotores, artistas y administradores de foros públicos han intentado estimular la tolerancia hacia ésta, la villana favorita entre las manifestaciones de la música popular. Con ello han ido aumentando en varios puntos del país las agrupaciones, conciertos y el público que se identifica como emo. Insite es uno de los grupos que mejor representan algunos aspectos atribuibles a ese género: por definición, la emotividad exacerbada, así como la bipolaridad entre el verso tranquilo y el estribillo estridente. Mas su música no se circunscribe únicamente al emo, sino que es considerada por ellos mismos como una fusión de géneros “sensiblemente rudos”, por llamarle de alguna manera a esta muestra de punk, metal y emo.

Formados en 1999 por Konrado, Kar, Goy, Gabriel y Miky tras haber participado en la banda Donnie Brasco, cantaban en inglés y español. Firmaron con la disquera independiente Movic Records. Con tres álbumes (Otra historia, 2004, Una vida no es suficiente, 2007 y Esperando a que amanezca, 2008) y un destacado cóver al grupo Bronco, Insite ha aprovechado con buenos resultados las redes sociales como Myspace para darse a conocer más allá de las fronteras mexicanas, particularmente en España, ofreciendo la descarga gratuita de sencillos y añadiendo a la oferta del disco souvenirs como pulseras o pins para estimular la compra de música oficial en tiempos de descargas ilegales y piratería.  

Es cierto que la fusión como género suscita más aversión que gusto, pero a Insite no le ha ido nada mal esta noche con la generosa entrada que han logrado en el Lunario. En definitiva, si la fusión no es lo tuyo, hay que guardar sana distancia con sus exponentes. En cambio los seguidores pudieron apreciar de estos originarios de Mexicali un verdadero “sonido monster” durante dos horas, donde la intención parecía ser reventar el sistema de amplificación con decibeles injustificablemente altos y canciones de 3 minutos en las que lo mismo entran baladas seguidas por riffs metaleros, alaridos emo y de las letras que se podían distinguir entre ese tsunami de ruido, frases hechas sobre las relaciones sentimentales. Un coctel explosivo que distingue a estos norteños como un exponente bastante competente dentro de su género.

Zoé

Zoé

27 noviembre

20:45-22:30

Más que escribir poesía me late escribir imágenes, que igual la línea de arriba no tiene que ver con la línea de abajo pero que al final tienen coherencia – León Larregui

Con ustedes: Reptilectric

En su tercera presentación* en el Auditorio Nacional, promoviendo el nuevo disco, Reptilectric, así como repasando siete años de carrera, Zoé se ha despedido de añadidos escenográficos e invitados, con la intención de privilegiar un par de horas tocando estrictamente lo esencial para los devotos del grupo: las canciones, con un discreto acompañamiento visual en pantallas y las breves intervenciones del vocalista. ¿El resultado? Un concierto donde  la austeridad permite centrar la atención en poco más que las cualidades de los temas, su interpretación y la fenomenal recepción que ha recibido el grupo. Es cierto que no son de sorprender las reacciones apasionadas y casi de culto que se observan en los recintos de conciertos masivos, pero en lo que respecta a Zoé, su público se roba los vítores. La gran mayoría no debe pasar de 25 años, hombres y mujeres en igual proporción, con algunos niños y miembros de los 50+ colados, todos develando minuciosamente con sus sobreexcitadas cuerdas vocales las indescifrables letras de León Larregui, haciendo el signo headbanger o el movimiento brusco de cabezas al ritmo de los temas más movidos o brincando en pareja cuando empieza la canción predilecta.

Larregui o el relevo del front-man carismático

Para el no converso a la música de Zoé, lo que más llama la atención de este grupo no son sus hábiles –aunque rebuscadas– referencias a la psicodelia británica de los 70, sino la fascinación que su compositor provoca entre sus seguidores. En los últimos 15 años, nadie en América Latina había tomado la estafeta de esa figura del compositor/vocalista carismático y reverenciado desde Gustavo Cerati o Saúl Hernández, músicos con los que León Larregui comparte cualidades más como figura central que musicales. Sin la facilidad para la melodía del primero ni las obsesiones por lo autóctono del segundo, ni el desparpajo sobre el escenario de los dos, Larregui ha logrado, con sus letras personales y su timidez, conectar con quienes ven en él parte de sí mismos, como suele ser.

Musicalmente Zoé posee una discografía en la que a veces es imposible distinguir una canción de otra; melodías planas que se pierden entre tanta ambientación. Estos originarios de Cuernavaca rara vez hacen más que revisitar el rock anglosajón de su preferencia (David Bowie, The Cure, T-Rex, Pink Floyd…), siempre cuidadosos de las formas que dan resultado, fijación por la cual se les ha criticado. Pero a su favor hay que decir que lo hacen no sólo con absoluta convicción, sino con destreza; se nota que han ensayado hasta los errores de Dark Side Of The Moon, Disintegration o la referencia más obvia, Ziggy Stardust. En esta celebración de poco más de un lustro haciendo música, los cortes del flamante Reptilectric se distancian del estilo que caracteriza a Zoé, en una búsqueda musicalmente más cercana a Latinoamérica y líricamente más crítica al poder, de acuerdo al compositor. Quizá por eso, a pesar de ser más de la mitad del set list, se difuminaron entre las favoritas: Fotosíntesis, Vía Láctea, Dead y Love. Es el sino del éxito: la condena a la repetición y el desinterés por lo nuevo. En el caso de Zoé, no debe hacer mucha mella.

*1 septiembre  y 25 octubre (Lunas) 2005

Cronología

1997

Cuatro preparatorianos de nombre León Larregui, Beto Cabrera, Sergio Acosta y Jesús Báez se conocen tras haber integrado distintas bandas no profesionales. Con la idea de firmar con una disquera internacional, practican hasta dominar su instrumento y distanciarse de grupos hueseros, y forman Zoé.

2001

Tras años tocando en pequeños recintos, graban su primer disco homónimo con el productor británico de new new wave, Phil Vinall (Placebo, Elastica, Pulp, Gene). Los 13 temas son un ejercicio que remite inmediatamente a ese género, y que les redituó un creciente número de escuchas y atención por parte de la prensa. Saúl Hernández de Caifanes colaboró en la composición de “Electricidad”.

2003

Rocanlover es su disco más celebrado hasta el momento. Coqueteo entre el rock y la electrónica, los sencillos Love y Fotosíntesis se mantienen como favoritos de los seguidores. El disco se promueve con éxito en Estados Unidos. 

2006

Tras un EP (The Room) que les valió disco de oro y su salida de Sony Records, la independiente Noiselab los ficha para un LP de título Memo Rex Commander y el corazón atómico de la vía Láctea, un conglomerado de alusiones a David Bowie y Pink Floyd, así como a las fijaciones cósmicas de Larregui, obsesionado desde niño con la idea de ser astrónomo. Se convierten en uno de los exponentes de rock mexicano más exitosos fuera del país, haciendo giras por Estados Unidos y América Latina. Llenan recintos de gran capacidad como El palacio de los deportes.

2008

Después de trabajar en un DVD (281107, grabado en vivo en El palacio de los deportes), se desconectan del tema astral para la producción de Reptilectric, a cargo de Vinall. Los motivos de este disco son por primera vez abiertamente políticos,  denominados por el propio León Larregui como “globalifóbicos” . Se presenta el disco oficialmente en el Auditorio Nacional.

Janey: conóceme más de cerca

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Janey: “conóceme más de cerca”.

Es difícil de creer pero ese porcentaje mínimo de ADN que diferencia a humanos de primates, no incluye algunos de los rasgos más distintivos del comportamiento humano, como la creatividad, ni mucho menos la coquetería. Porque Janey, la orangután residente del zoológico de San Diego, fácilmente podría ser la representante más inteligente, femenina y con más caché del reino animal. A sus 46 años es experta en estilo y lo impone tanto a sus compañeras de cuarto como a sus cuidadores y sobre todo, a su público, siempre receptivo a sus “monerías” y su arte.

Así es, esta peludina es toda una veterana de la expresión plástica y de la pantomima. Sociable como pocos orangutanes, Janey ha mostrado desde su juventud un ingenio inagotable. Pintura, gises y cartulinas son las escazas herramientas con las que, en esos arrebatos de pasión que sólo conocen los artistas, ha creado un mundo propio, lleno de trazos desinhibidos y figuras que podrían considerarse abstractas, y siempre rebozantes de color. Rojo, púrpura y amarillo sobre azules pálidos son los colores predilectos de esta oriunda de la Isla de Borneo. Algunos conocedores dirían que en sus óleos, Janey manifiesta aventuras cotidianas, así como anhelos y tiernas ensoñaciones.

Y al parecer, los óleos le quedan chicos, pues le fascina maquillarse. Es casi imposible que Janey salga de su dormitorio sin darse una meticulosa “manita de gato”, porque para ella, lucir bien es sentirse bien. Como una chica con estilo propio, su bilé predilecto es una combinación de lila con blanco, tonos claros que contrasten con su tez naturalmente bronceada. Tiene tan buen gusto que se pone toques de rosas fuertes en las mejillas y, por qué no, también en la frente, a la vez de adornarse el pelo con un lindo broche. Seguramente a ella no le importa que se le acuse de vanidosa; por el contrario, le gusta ser el centro de la atención.

Sobra decir que conocer a Janey es amarla, y cómo cuesta trabajo resistirse a adquirir uno de sus simpáticos cuadros que con frecuencia son subastados en el sitio del zoológico de San Diego. Los fondos recuadados se destinan a la conservación de los primates en peligro de extinción. Sin duda es hora de que la conozcas más de cerca. Visítala en su página oficial, donde se le puede apreciar por medio de una webcam tomando el sol o trabajando en su pieza más reciente: http://www.sandiegozoo.org/zoo/ex_absolutely_apes.html

y también añádela como tu amiga en Myspace: http://www.myspace.com/janeyape

Janey: conóceme más de cerca
Revista Altura #47 (Aeroméxico)
Noviembre 2008

Jorge Villamizar

Jorge Villamizar

9 Octubre

10:40 – 12 hrs

Sin duda que la trayectoria profesional de Jorge Villamizar es atípica como pocas: Graduado en la Escuela Naval de su natal Colombia, partió a Londres para cursar Ciencias Políticas y después a Miami para un posgrado en Administración de empresas. Llama la atención que mientras la vasta mayoría de “luminarias en ciernes” pasan años estudiando en academias de formación musical y escénica, demasiado preocupados por fabricarse una imagen artística, Villamizar es de esos extraños casos en donde todo en la vida apunta hacia cierta dirección, y de pronto, un algo nos hace replantear el camino. A ese algo han venido a prestarle atención incondicionales seguidores esta noche, porque no es menos que el alma que imprime este colombiano a sus canciones, armado con una guitarra y un ingenio inusual en la música pop latinoamericana. A Villamizar no sólo se le apareció esa musa por la que tantos se cortarían el meñique, sino que como influencias alude a esa formación básica como la leche y el hierro: The Beatles, de quien su madre era admiradora, así como Joaquín Sabina, Víctor Manuel, Silvio Rodríguez, Pablo Milanés y música folclórica de los Andes.

Entre esas horas perdidas del colegio, Jorge tomaba la guitarra y un día se dio cuenta que era bueno para escribir estribillos con ganchos y letras con humor inteligente, sentimentales mas no trilladas. Formó en Miami el grupo Bacilos, conoció a gente del medio que reconoció inmediatamente su originalidad y en poco tiempo sus canciones le procuraron establecerse como un favorito de radio y televisión, y más notablemente, de colegas que han incluído en sus discografías temas escritos por Villamizar, como Paulina Rubio y Julieta Venegas. Después de tres discos con Bacilos, los temas de Jorge son cada vez más personales, por eso que ha decidido mudarse a la ciudad de México y desde aquí comenzar como solista, siendo su debut en Lunario.

Una clave para entender la relación entre él y sus seguidores es la siguiente: tras presentar a su grupo acompañante (dos tijuanenses, un bonaerense), afirma que en esta nueva etapa no está aprendiendo a ser  solista, sino a estar solo, aludiendo a su reciente divorcio. Tal franqueza permea en sus canciones, particularmente las acústicas, sin acompañamiento, como mejor suena: directo, íntimo y, sin empacho, al borde de la canción confesional. Es natural que el público se involucre totalmente en sus nuevos temas, a la vez de festejar los éxitos, todos interpretados y la balada bailable que sus seguidoras demandaron en el segundo encore:  Tabaco y Chanel. Lejos del cliché del romanticismo de lírica reciclada, la denuncia social o el regionalismo, la de este autodenominado “colombiano errante”, es una muestra de que la canción popular latinoamericana va por buen rumbo.

Mercury Rev

Mercury Rev

26 septiembre

22:30 – 12:00

En una ciudad donde la diosa fortuna rara vez arroja los dados a nuestro favor, a algunos les sonará desproporcionado hablar de una alineación cósmica en el concierto de Mercury Rev. A ese evento celestial hay que atribuir, en primer lugar, lo que sucedió esta noche, y en segundo, a que Jonathan Donahue simplemente tiene un espíritu tan vasto e inquieto que no cabe en sí mismo. Hay que contemplarlo con el ánimo a tope y el pecho a punto de estallar, sus enormes ojos ligeramente desorbitados, en un fascinante diálogo con sus ninfas, que no ha tenido reparo en compartir: una belleza oscura y misteriosa, la de Donahue y compañía, a la que accedemos directamente. Debieron avisar, empero, que a este concierto tornado cofradía, entraríamos de lleno con ese sonido orquestal y sobrecogedor que el grupo ha estado perfeccionando durante los últimos diez años: de los primeros arpones al corazón sería Holes, esa vigilia taciturna y frágil de casi seis minutos de duración, que literalmente hizo llorar a varios. Jugo de ojo lubricando mejillas durante hora y media y ni a quién le importe la escasez de pañuelos, al fin que exaltaciones como éstas no se dan todos los días y además nos ha tocado juntos, qué mejor.

Los detalles casi imperceptibles que Mercury Rev y su productor estrella, Dave Fridmann, han logrado en el estudio, detonantes de dramatismo en temas como el mencionado, You’re my queen o la joya de la corona, The dark is rising, han sido magnificentemente reconstruidos en vivo. Nunca sabremos cómo es que sólo cinco músicos con instrumentos convencionales logran esa ambientación sinfónica. Tampoco sabremos exactamente qué es lo que llevó a Jonathan a experimentar en 1998 una voltereta radical no sólo de sonido, sino de vida, como afirmó en entrevista a un diario local, pero de que a su grupo le significó un antes y un después, no hay duda: Pocos podían creer que uno de los mayores exponentes de la psicodelia ruidosa de principios de los noventa fuera capaz de guardar los pedales de distorsión y sorprender con un disco tan íntimo y cristalino como Deserter’s Songs. Para muchos de los presentes, este disco, junto al Soft Bulletin de The Flaming Lips, significa el Grievous Angel o el Pet Sounds de nuestra generación: esas gemas en las que nuestro yo más hondo se refleja y halla eco. Con el caleidoscopio sónico de Mercury Rev más vale pasar por alto las definiciones estrictas de género: en su carrera hay resonancias varias; las ensoñaciones mágicas del Treasure de Cocteau Twins, la melancolía de Gene Clark, la cósmica americana y contemplativa de Gram Parsons, las proyecciones astrales e insuperablemente tiernas de Curt Boettcher/Gary Usher… Pero como una muestra de que estos nativos de Nueva York tienen en la dupla Donahue/Grasshopper compositores de la más alta talla, su paleta de sonido se expande hacia lo electrónico en su LP titulado Snowflake Midnight que se estrena el próximo 29 de septiembre. El sencillo Senses on fire, interpretado hoy, además de señalar con todas sus letras de lo que está hecho Donahue, es la puerta de entrada a un trabajo al que hay que prestar atención obligada. Mercury Rev: de los artistas más relevantes en la actualidad.

Julieta Venegas

Julieta Venegas
18 septiembre
20 – 22 hrs.

“Yo la verdad es que no me caso con ningún estilo, no soy una rockera recalcitrante, yo soy compositora”  - Julieta Venegas

De la adolescencia rockera a la madurez melosa
No hace mucho que la oriunda de Tijuana figuraba en las listas de los jóvenes más prominentes dentro del rock mexicano; desde su años mozos en el combo de ska/rock Tijuana No, pasando por su colaboración con Fratta en el grupo de rock experimental La Milagrosa, hasta la edición de su primer Unplugged en 2008, Julieta ha mostrado ser demasiado inquieta para conformarse con el papel de rockera. Si se le ha de ver dentro de algún rol, sin duda le entusiasma mucho más el de compositora y multi-instrumentalista, y su tercera década de vida ha coincidido con un manifiesto interés por alejarse de las guitarras para producir un pop más afable y meloso.

Riffs más, riffs menos, lo de Julieta siempre ha sido el pop romántico. 2003 fue el año que sin duda le significó una ruptura de género musical y de fronteras geográficas, con el álbum Sí convirtiéndose en un favorito inmediato de habla hispana y procurando a su autora fama internacional y prestigio, pues no sólo el Grammy, sino sus contemporáneos la reconocen como una de las compositoras más jóvenes y con menos complejos por entrarle de lleno a un género que con tanta frecuencia resulta fácil y superficial. 

Y si es cierto que el verdadero talento viene desenchufado ¾ idea tan en boga durante los 90, cuando se puso de moda el Unplugged¾, la de hoy es una cantautora que dice más con menos: finalmente ha encontrado su voz y ésta destaca con una instrumentación austera, sin ruido, ni accesorios y demás distracciones escenográficas. Como ella es la suma de la gente que admira y con la que trabaja, para su segunda visita al Auditorio Nacional[1] presenta un Unplugged denominado El Presente, recital presentado originalmente en la cadena MTV. El éxito de esta sesión/disco ha sido tal a menos de un año de su publicación, que se ha programado una gira por las principales ciudades de Estados Unidos, Latinoamérica y Europa.

Hallando su identidad
Los invitados de esta noche son Cecilia Bastida (ex vocalista/tecladista que suplió a Venegas en Tijuana No y ahora solista), Natalia Lafourcade, con quien interpreta el tema de la película Amores perros (Amores perros: me van a matar), Juan Son de Porter en un psicodélico atuendo (vestido de pizza), y Joselo y Meme de Café Tacuba. Junto a los tacubos, Julieta compuso la banda sonora de la cinta Quemar las naves. 

No es coincidencia que el tema principal de esta película, Mi principio,  haga alusión a la apasionada búsqueda y hallazgo de la identidad a través del arte por la que pasa el protagonista: algo semejante ha sucedido en la carrera profesional de Venegas. Solista y en el nicho del pop meloso ha encontrado “su verdad”. Y la cuenta con la voz entrecortada cuando presenta sus temas, sobrecogida de su característica timidez. No se le olvida ninguno de sus temas de cabecera: Esta vez, Mira la vida, Eres para mí. Y como hace tres años en este recinto, deja lo mejor para el final.

El hit de su trayectoria es esa asumida cursilería, la insuperablemente amielada declaración de amor con suspiros como estribillo, titulada Andar conmigo, el rogado encore. A pregunta expresa, “dime si tú quisieras andar conmigo, oh oh oh…”, su Romeo de diez mil cabezas le contesta que sí, cómo no, “¿para cuándo fijamos fecha?”. Ahora le cumples, Julieta.

Cronología discográfica
1997 Aquí. Entrenada como pianista clásica durante su infancia, flirteando con el rock/ska durante su adolescencia, y retomando el piano en su proyeto La Milagrosa, Julieta se enrola en carrera solista con Gustavo Santaolalla en la producción de su primer largo. Resuenan en éste las voces de Tori Amos y Ana Torroja. Pop delicado, letras personales, y el acordeón como instrumento principal y homenaje al sonido del norte de México.

2000 Bueninvento. De nuevo colabora con Santaolalla, Meme y Joselo de Café Tacuba y el productor Toy Hernández (Control Machete) con una temática similar a su trabajo previo pero un sonido más agresivo, cercano a su amiga y contemporánea Ely Guerra, y coqueteando con el tango en “Abandonada”. Es nominada al Grammy Latino en las categorías mejor disco del año y mejor canción rock (Hoy no quiero).

2003 Sí es a la vez título y respuesta a la pregunta central del disco: “Dime si tú quisieras andar conmigo”, el inicio de un tórrido affair entre Julieta y un público que de la noche a la mañana se multiplicó con semejante propuesta. Andar conmigo y canciones aledañas le procuran a su autora ventas que rebasan el millón, fans con ojos de borrego y giras más allá de las fronteras mexicanas, y para la industria musical de este país, un reencuentro con la balada romántica que por primera vez en muchos años suena pegajosa y no reciclada. El sonido fue diseñado por Coti Sorokin (Andrés Calamaro, Shakira, Enanitos verdes, Paulina Rubio) y “Cachorro” López (Charly García, Miguel Mateos).

2006 Limón y sal. La portada muestra a Julieta con una mirada coqueta, chupando un limón y con la mano espolvoreada de sal. Continúa con la línea de melodías suaves iniciada en Sí, y explorando las relaciones amorosas en sus letras, y la música de nuevo con Cachorro López como guía. Su cuarto álbum mantiene el ritmo y cantidad de ventas de su antecesor, es merecedor de varios reconocimientos internacionales, a la vez de ampliar el mercado de escuchas a Sudamérica y Europa.

2008 MTV Unplugged. Julieta balancéandose sobre la cuerda nada floja de un violín es la portada de este desenchufado, una reinterpretación de éxitos más cuatro inéditos de la tijuanense con instrumentación a base de acordeón, cuerdas, xilófono, piano y clarinete, acompañada por Gustavo Santaolalla, La Mala Rodríguez, Marisa Monte, Jacques Morelembaum y Natalia Lafourcade, entre otros. Grabado en los estudios Churubusco de la Ciudad de México, es editado en formatos CD y DVD y se le promociona con una gira internacional.

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[1] Su debut fue el 24 de noviembre de 2005.

División Minúscula

División Minúscula

Lunario

20 – 21:30 hrs.

1977. Adolescentes rufianes y aburridos beben aguarrás en las calles de Londres. Ellos pasan de cualquier orden establecido: escuela, trabajo, gobierno, familia, y responsabilidad de cualquier tipo son palabras tachadas en su diccionario de bolsillo. Lo que ellos quieren es la destrucción total con los medios que se tenga a la mano. Un ataque contra la soberana de su país, en forma de mofa con estribillo memorable es un buen comienzo: dentro de poco God Save The Queen de The Sex Pistols se convierte en himno generacional e inspiración para incontables jóvenes con el mismo espíritu anarquista y provocador, dentro y fuera de Inglaterra.

2008. Son curiosos los giros que ha dado el punk a lo largo de treinta años y pico, porque hoy a nadie sorprende que lo incendiario de aquél movimiento no pase de ser un capítulo más en la historia de la música popular. Más que asimilado por la industria musical, el punk como género ha tenido un desarrollo interesante: de los alaridos, las guitarras desafinadas y los tres acordes de rigor, hoy somos partícipes del punk melódico, meloso y hasta alegre, el que se ha reconciliado con las listas de popularidad, el de baladas para la novia en lugar de protestas contra las instituciones. En el caso de División Minúscula, el “happy punk en tu idioma”.

En los últimos años, el norte de México ha sido cuna de varios grupos que se inscriben en este tenor: Finde, Thermo, Panda, Zurdok y División Minúscula (DM), entre otros. El último, originario de Matamoros, Tamaulipas, se formó a finales de los 90 y reformó una vez que sus miembros se graduaron de la universidad. Integrado por Alex Luque, los hermanos Javier y Kiko Blake y Efrén Barón, el sonido de DM fue ideado por Toy Hernández, quien en años previos convirtió a Control Machete en uno de los grupos más populares del país. En 2001 editaron su primer LP, Extrañando Casa. Con ventas cuantiosas y la prensa musical señalándolo como el disco más representativo del género, el grupo se tomó un inusual descanso de cinco años para volver con Defecto Perfecto en 2006, sin haber perdido interés de público y prensa.

Desde entonces y con un incremento en popularidad al ser favoritos de MTV Latino, los tamaulipecos han compensado años de inactividad organizando giras y firmas de autógrafos, filmando videos y colocando sencillos en la radio. Este 2008 presentan Sirenas, un disco que con Robert Carranza en la producción, tiene variaciones en estilo. Alex Luque lo define como “un regreso al rock clásico, con un sonido más natural”. Carranza ha trabajado con artistas tan diversos como Björk, Supergrass, Molotov o The Mars Volta, logrando con su técnica de producción análoga y digital, un sonido menos estandarizado. Aunado a su trabajo previo, las canciones de Sirenas que hoy tocan Blake y compañía, suponen un giro no muy radical del punk alegre que les ha caracterizado durante años, esta vez recreando con un tecladista como invitado el sonido del nuevo disco. Su firma siguen siendo riffs prestados del hard rock, melodías y estribillos pegajosos, siempre en español tarareado por sus fans, 80% de los cuales son chicas en estado de furor, interactuando con el vocalista, gustoso de arrojar camisetas y premios a las primeras filas. Se las gana con el momento romántico de la noche, la letra de Sismo: “No sé si fue amor, pero vaya que lo hicimos de lo mejor”.

Lo dicho: la rebeldía de ayer es la escuela de mañana, y para muestra, un punk alegre de acorde duro e inofensivo.

Bill Kaulitz: precoz y con los pelos apuntando hacia el cielo

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Bill Kaulitz: precoz y con los pelos apuntando hacia el cielo

Es verdad: el nuevo objeto del deseo de miles de adolescentes, Bill Kaulitz, no pasa de los 19 años, pero que nadie le diga que es un novato, porque el chico y su gemelo Tom están en el negocio del rock desde la infancia. A los nueve años ignoraban cualquier forma convencional de entretenimiento, optando mejor por escandalizar el seno materno con sus guitarras. 

En su natal Magderburg, Alemania, Bill se fogueaba con su hermano y amigos en la banda Devilish, la cual produjo un demo antes de que Bill participara en el concurso de talento artístico Star Search en 2003, consiguiendo contrato con Sony BMG. Ahora el grupo, con el nombre Tokio Hotel (inspirado en una ciudad en constante movimiento), ha logrado en sólo un par de años figurar en los primeros sitios de popularidad de su país. 

La imagen de Bill, de una androginia estrafalaria, lo coloca como un ícono emo entre los adolescentes. Jovencitas y jovencitos por igual firman declaratorias apasionadas y promesas de amor eterno en su Myspace (http://www.myspace.com/tokiohotel). Sus videos en Youtube presentan a Bill con un peinado que recuerda a Clive Jackson de Doctor and the Medics y Simon Gallup de The Cure en los 80. 

Sus ademanes y letras sentimentales despiertan comentarios que varían entre la idolatría y el odio. Y es que al emo, o se le adora o se le desprecia, sin términos medios. Ahora que los chicos que se identifican con el sonido/look emo son acosados en varias partes de la república mexicana, habría que preguntarse si el sentimentalismo exacerbado y la apariencia andrógina son motivos suficientes para incitar tanta ira, y si los que hostigan no dicen más de ellos mismos que de lo que odian. En tanto, si el emo es o no una moda pasajera, lo cierto es que Bill Kaulitz disfruta de su momento y en él se ven reflejados miles de adolescentes en busca de identidad.

Bill Kaulitz: precoz y con los pelos apuntando hacia el cielo
Revista Altura #38 (Aeroméxico)
Junio 2008