New Kids On The Block

New Kids On The Block

2 Diciembre

21:20 – 23:20

Queremos que las fans se den cuenta de que su corazón estaba en el lugar correcto hace tantos años, y que la espera valió la pena – Donnie Wahlberg

De regreso y mejorados

Hace más de veinte años que los New Kids On The Block cimentaron el camino para el hoy tan exitoso género boy band. Hoy regresan por algo más que una celebración de la nostalgia o un contrato de negocios. De acuerdo a Donnie Wahlberg, el grupo recibió durante años ofertas millonarias para reuniones, pero ésta se ha llevado a cabo por iniciativa de los cinco miembros: “Queríamos hacerlo hasta sentirnos listos. Nos reunimos a grabar porque quisimos. Siempre he protegido el legado de los New Kids; estamos de vuelta para algo más que la histeria y la fama, no sólo para revivir algo, sino para hacer algo nuevo”. Si bien esa novedad, que lleva por nombre The Block, no es lo que motivará al público de los New Kids a asistir a esta gira, el disco retoma la influencia del hip hop tan notoria en las últimas producciones del grupo antes de desintegrarse en 1994.

Después de un excelente show telonero con el glam-hip hop de Lady GaGa, en las pantallas del Auditorio una breve película nos recuerda a los Kids durante el periodo 1988-1993 y el fenómeno de histeria adolescente que provocaban durante sus conciertos. Los gritos de las otrora púberes son ensordecedores cuando aparecen los rostros de los guapos: Jordan y Joe.

De ahí una plataforma móvil asciende en la mitad del foro, de la cual aparecen los cinco Kids. En su concierto se entrelazan éxitos, sencillos nuevos y un par de temas solistas de Jordan y Joe. The Right Stuff, el sencillo que les dio a conocer internacionalmente, tiene un fondo grave provisto por la espléndida sección rítmica que suena perfecto para una pista de baile. El popurrí de baladas –Didn’t I blow your mind, Valentine Girl– pone de manifiesto que la de Jordan Knight sigue siendo la mejor voz, con su clara influencia R&B. Joe McIntyre también ha madurado estilo y Please don’t go girl suena mejor que cualquier balada actual en el Billboard. A Donnie Wahlberg se le ha ido la voz, mas no la habilidad para interactuar con sus fans con un español no muy amplio pero sí gracioso, autodenominándose  “no el papacito, sino el papasote” de la noche. Los otros dos siguen siendo los tímidos de ayer y sólo proveen coros.

El soul de los chicos guapos

Para Dirty Dancing, tema del nuevo disco y referencia a la película homónima, unas bailarinas intentan seducir a Wahlberg, más interesado en mover su trasero sin lograr exactamente sensaciones sucias ni mucho menos sexy. Cover Girl hubiera sonado floja sin los coros esenciales de las fans. De nuevo Jordan Knight  y sus imposibles falsetes al frente de Tonight y después solo y provocador (sin camisa) con Baby, I believe in you y Give it to you, su tema solista más sonado en la radio estadounidense. Junto a las carreras de Jordan y Donnie, la de Joe McIntyre ha sido de las más fructíferas, con sus constantes intervenciones como actor en Broadway, obras de teatro y musicales en su natal Boston, apariciones en series de televisión, y su par de discos solistas. Toda esa experiencia es notable en las intervenciones histriónicas del “bonito” McIntyre, particularmente durante su interpretación de Stay the same [ojo, no estoy segura de que sea el título], antes de que los NKOTB salieran enfundados en elegantes trajes blancos para un par de temas nuevos que no tuvieron mayor resonancia entre el público: Click, Click, Click y una desangelada Summertime. Más tarde y después de dejar en el camerino sus camisetas de la selección mexicana de futbol, regresaron sabedores de cuáles eran las canciones favoritas esperadas de la noche, para así cerrar el concierto con aquél éxito de 1989 llamado Hangin’ Tough , y, desafiantes con sus máscaras de Blue Demon mientras Wahlberg hacía body surfing en las primeras filas, ofrecieron una versión casi disco de Steb by step. El regreso de New Kids On The block puede considerarse no sólo como un reencuentro post-adolescente, sino como una muestra poco nostálgica de buen Pop-R&B blanco.

Cronología

1985

Maurice Starr, productor de Rhythm & Blues bailable, decide trasladar el formato de su exitoso grupo New Edition a uno nuevo, esta vez conformado por adolescentes blancos. Las audiciones se llevan a cabo en Boston entre 500 adolescentes, entre los cuales participan Donnie Wahlberg, de 15 años, junto a su hermano menor, Mark, y su amigo de la infancia, Danny Wood. Los tres son los primeros miembros de Nynuk. Wahlberg, seleccionando por sus dotes de showman, recluta a otro amigo, Jordan Knight, y a su vez éste a su hermano mayor, Jonathan.

1986

Mark Wahlberg deja el grupo y en su lugar entra Joe McIntyre de 12 años. El nombre de esta nueva alineación cambia a New Kids On The Block y publican su primer disco homónimo, inspirado en el bubblegum pop de los sesenta. El disco no logra buenos resultados a nivel nacional, pero el sello Columbia sigue apoyando a los chicos para un segundo álbum.

1988-1989

El sonido y la imagen de NKOTB se distancian del pop ingenuo y los colores pastel para adoptar un sonido más bailable y un aspecto más duro. Con chamarras de piel y gomina en el pelo, los Kids tienen en Hangin’ Tough un disco para conquistar chicas. Teloneros de Tiffany, la gira les permite darse a conocer en Estados Unidos y al cabo de un año, el video de The Right Stuff  en MTV los convierte en uno de los grupos más conocidos. Cinco sencillos alcanzan el primer lugar del Billboard. La fama de los Kids fue tan repentina y masiva que Tiffany se convirtió en su telonera.  El disco consiguió ocho discos de platino y hacia el final del año, Starr produjo un álbum de navidad titulado Merry, Merry Christmas, de doble platino.

1990-1991

Step By Step es su cuarto LP y el más exitoso. Co-escrito por Starr y los Kids, la gira The Magic Summer Tour los llevó a las principales ciudades del mundo. Sus ventas ascienden a veinte millones de copias. Los multimillonarios ingresos de los NKOTB no fueron sólo por concepto de ventas de discos, sino por mercancía, giras y su propio canal de pago por evento en televisión por cable, así como un club de fans que cobraba por membresía y una hot-line. Se estima que en este periodo, la ahora marca NKOTB alcanzó ingresos por más de 400 millones de dólares. En 1991 dieron su primer concierto en México, en el Palacio de los deportes.

1992-1994

Con el advenimiento del grunge y más tarde el Brit-pop, el estilo de los Kew Kids era cada vez menos popular. En este periodo editaron una recopilación de éxitos, un disco de remixes y el LP Face the music, sin lograr siquiera una cuarta parte de las ventas de sus antecesores. El grupo se desintegró en 1994.

2008

Donnie Wahlberg es el responsable de reunir a sus cuatro compañeros tras escuchar el demo Click, Click, Click, escrito específicamente para los New Kids por el canadiense Nasri Atweh. El sencillo, así como el LP The Block, fue producido en abril por Atweh y nombres consolidados dentro del hip-hop y R&B como RedOne, Polow da Don, Timbaland, Teddy Riley, Hakim Abdulsamad, Akon, Adam Messinger, Emanuel Kiriakou y Fernando Garibay. NKOTB regresan a México y se presentan por primera vez en el Auditorio Nacional.

Zoé

Zoé

27 noviembre

20:45-22:30

Más que escribir poesía me late escribir imágenes, que igual la línea de arriba no tiene que ver con la línea de abajo pero que al final tienen coherencia – León Larregui

Con ustedes: Reptilectric

En su tercera presentación* en el Auditorio Nacional, promoviendo el nuevo disco, Reptilectric, así como repasando siete años de carrera, Zoé se ha despedido de añadidos escenográficos e invitados, con la intención de privilegiar un par de horas tocando estrictamente lo esencial para los devotos del grupo: las canciones, con un discreto acompañamiento visual en pantallas y las breves intervenciones del vocalista. ¿El resultado? Un concierto donde  la austeridad permite centrar la atención en poco más que las cualidades de los temas, su interpretación y la fenomenal recepción que ha recibido el grupo. Es cierto que no son de sorprender las reacciones apasionadas y casi de culto que se observan en los recintos de conciertos masivos, pero en lo que respecta a Zoé, su público se roba los vítores. La gran mayoría no debe pasar de 25 años, hombres y mujeres en igual proporción, con algunos niños y miembros de los 50+ colados, todos develando minuciosamente con sus sobreexcitadas cuerdas vocales las indescifrables letras de León Larregui, haciendo el signo headbanger o el movimiento brusco de cabezas al ritmo de los temas más movidos o brincando en pareja cuando empieza la canción predilecta.

Larregui o el relevo del front-man carismático

Para el no converso a la música de Zoé, lo que más llama la atención de este grupo no son sus hábiles –aunque rebuscadas– referencias a la psicodelia británica de los 70, sino la fascinación que su compositor provoca entre sus seguidores. En los últimos 15 años, nadie en América Latina había tomado la estafeta de esa figura del compositor/vocalista carismático y reverenciado desde Gustavo Cerati o Saúl Hernández, músicos con los que León Larregui comparte cualidades más como figura central que musicales. Sin la facilidad para la melodía del primero ni las obsesiones por lo autóctono del segundo, ni el desparpajo sobre el escenario de los dos, Larregui ha logrado, con sus letras personales y su timidez, conectar con quienes ven en él parte de sí mismos, como suele ser.

Musicalmente Zoé posee una discografía en la que a veces es imposible distinguir una canción de otra; melodías planas que se pierden entre tanta ambientación. Estos originarios de Cuernavaca rara vez hacen más que revisitar el rock anglosajón de su preferencia (David Bowie, The Cure, T-Rex, Pink Floyd…), siempre cuidadosos de las formas que dan resultado, fijación por la cual se les ha criticado. Pero a su favor hay que decir que lo hacen no sólo con absoluta convicción, sino con destreza; se nota que han ensayado hasta los errores de Dark Side Of The Moon, Disintegration o la referencia más obvia, Ziggy Stardust. En esta celebración de poco más de un lustro haciendo música, los cortes del flamante Reptilectric se distancian del estilo que caracteriza a Zoé, en una búsqueda musicalmente más cercana a Latinoamérica y líricamente más crítica al poder, de acuerdo al compositor. Quizá por eso, a pesar de ser más de la mitad del set list, se difuminaron entre las favoritas: Fotosíntesis, Vía Láctea, Dead y Love. Es el sino del éxito: la condena a la repetición y el desinterés por lo nuevo. En el caso de Zoé, no debe hacer mucha mella.

*1 septiembre  y 25 octubre (Lunas) 2005

Cronología

1997

Cuatro preparatorianos de nombre León Larregui, Beto Cabrera, Sergio Acosta y Jesús Báez se conocen tras haber integrado distintas bandas no profesionales. Con la idea de firmar con una disquera internacional, practican hasta dominar su instrumento y distanciarse de grupos hueseros, y forman Zoé.

2001

Tras años tocando en pequeños recintos, graban su primer disco homónimo con el productor británico de new new wave, Phil Vinall (Placebo, Elastica, Pulp, Gene). Los 13 temas son un ejercicio que remite inmediatamente a ese género, y que les redituó un creciente número de escuchas y atención por parte de la prensa. Saúl Hernández de Caifanes colaboró en la composición de “Electricidad”.

2003

Rocanlover es su disco más celebrado hasta el momento. Coqueteo entre el rock y la electrónica, los sencillos Love y Fotosíntesis se mantienen como favoritos de los seguidores. El disco se promueve con éxito en Estados Unidos. 

2006

Tras un EP (The Room) que les valió disco de oro y su salida de Sony Records, la independiente Noiselab los ficha para un LP de título Memo Rex Commander y el corazón atómico de la vía Láctea, un conglomerado de alusiones a David Bowie y Pink Floyd, así como a las fijaciones cósmicas de Larregui, obsesionado desde niño con la idea de ser astrónomo. Se convierten en uno de los exponentes de rock mexicano más exitosos fuera del país, haciendo giras por Estados Unidos y América Latina. Llenan recintos de gran capacidad como El palacio de los deportes.

2008

Después de trabajar en un DVD (281107, grabado en vivo en El palacio de los deportes), se desconectan del tema astral para la producción de Reptilectric, a cargo de Vinall. Los motivos de este disco son por primera vez abiertamente políticos,  denominados por el propio León Larregui como “globalifóbicos” . Se presenta el disco oficialmente en el Auditorio Nacional.

Julieta Venegas

Julieta Venegas
18 septiembre
20 – 22 hrs.

“Yo la verdad es que no me caso con ningún estilo, no soy una rockera recalcitrante, yo soy compositora”  - Julieta Venegas

De la adolescencia rockera a la madurez melosa
No hace mucho que la oriunda de Tijuana figuraba en las listas de los jóvenes más prominentes dentro del rock mexicano; desde su años mozos en el combo de ska/rock Tijuana No, pasando por su colaboración con Fratta en el grupo de rock experimental La Milagrosa, hasta la edición de su primer Unplugged en 2008, Julieta ha mostrado ser demasiado inquieta para conformarse con el papel de rockera. Si se le ha de ver dentro de algún rol, sin duda le entusiasma mucho más el de compositora y multi-instrumentalista, y su tercera década de vida ha coincidido con un manifiesto interés por alejarse de las guitarras para producir un pop más afable y meloso.

Riffs más, riffs menos, lo de Julieta siempre ha sido el pop romántico. 2003 fue el año que sin duda le significó una ruptura de género musical y de fronteras geográficas, con el álbum Sí convirtiéndose en un favorito inmediato de habla hispana y procurando a su autora fama internacional y prestigio, pues no sólo el Grammy, sino sus contemporáneos la reconocen como una de las compositoras más jóvenes y con menos complejos por entrarle de lleno a un género que con tanta frecuencia resulta fácil y superficial. 

Y si es cierto que el verdadero talento viene desenchufado ¾ idea tan en boga durante los 90, cuando se puso de moda el Unplugged¾, la de hoy es una cantautora que dice más con menos: finalmente ha encontrado su voz y ésta destaca con una instrumentación austera, sin ruido, ni accesorios y demás distracciones escenográficas. Como ella es la suma de la gente que admira y con la que trabaja, para su segunda visita al Auditorio Nacional[1] presenta un Unplugged denominado El Presente, recital presentado originalmente en la cadena MTV. El éxito de esta sesión/disco ha sido tal a menos de un año de su publicación, que se ha programado una gira por las principales ciudades de Estados Unidos, Latinoamérica y Europa.

Hallando su identidad
Los invitados de esta noche son Cecilia Bastida (ex vocalista/tecladista que suplió a Venegas en Tijuana No y ahora solista), Natalia Lafourcade, con quien interpreta el tema de la película Amores perros (Amores perros: me van a matar), Juan Son de Porter en un psicodélico atuendo (vestido de pizza), y Joselo y Meme de Café Tacuba. Junto a los tacubos, Julieta compuso la banda sonora de la cinta Quemar las naves. 

No es coincidencia que el tema principal de esta película, Mi principio,  haga alusión a la apasionada búsqueda y hallazgo de la identidad a través del arte por la que pasa el protagonista: algo semejante ha sucedido en la carrera profesional de Venegas. Solista y en el nicho del pop meloso ha encontrado “su verdad”. Y la cuenta con la voz entrecortada cuando presenta sus temas, sobrecogida de su característica timidez. No se le olvida ninguno de sus temas de cabecera: Esta vez, Mira la vida, Eres para mí. Y como hace tres años en este recinto, deja lo mejor para el final.

El hit de su trayectoria es esa asumida cursilería, la insuperablemente amielada declaración de amor con suspiros como estribillo, titulada Andar conmigo, el rogado encore. A pregunta expresa, “dime si tú quisieras andar conmigo, oh oh oh…”, su Romeo de diez mil cabezas le contesta que sí, cómo no, “¿para cuándo fijamos fecha?”. Ahora le cumples, Julieta.

Cronología discográfica
1997 Aquí. Entrenada como pianista clásica durante su infancia, flirteando con el rock/ska durante su adolescencia, y retomando el piano en su proyeto La Milagrosa, Julieta se enrola en carrera solista con Gustavo Santaolalla en la producción de su primer largo. Resuenan en éste las voces de Tori Amos y Ana Torroja. Pop delicado, letras personales, y el acordeón como instrumento principal y homenaje al sonido del norte de México.

2000 Bueninvento. De nuevo colabora con Santaolalla, Meme y Joselo de Café Tacuba y el productor Toy Hernández (Control Machete) con una temática similar a su trabajo previo pero un sonido más agresivo, cercano a su amiga y contemporánea Ely Guerra, y coqueteando con el tango en “Abandonada”. Es nominada al Grammy Latino en las categorías mejor disco del año y mejor canción rock (Hoy no quiero).

2003 Sí es a la vez título y respuesta a la pregunta central del disco: “Dime si tú quisieras andar conmigo”, el inicio de un tórrido affair entre Julieta y un público que de la noche a la mañana se multiplicó con semejante propuesta. Andar conmigo y canciones aledañas le procuran a su autora ventas que rebasan el millón, fans con ojos de borrego y giras más allá de las fronteras mexicanas, y para la industria musical de este país, un reencuentro con la balada romántica que por primera vez en muchos años suena pegajosa y no reciclada. El sonido fue diseñado por Coti Sorokin (Andrés Calamaro, Shakira, Enanitos verdes, Paulina Rubio) y “Cachorro” López (Charly García, Miguel Mateos).

2006 Limón y sal. La portada muestra a Julieta con una mirada coqueta, chupando un limón y con la mano espolvoreada de sal. Continúa con la línea de melodías suaves iniciada en Sí, y explorando las relaciones amorosas en sus letras, y la música de nuevo con Cachorro López como guía. Su cuarto álbum mantiene el ritmo y cantidad de ventas de su antecesor, es merecedor de varios reconocimientos internacionales, a la vez de ampliar el mercado de escuchas a Sudamérica y Europa.

2008 MTV Unplugged. Julieta balancéandose sobre la cuerda nada floja de un violín es la portada de este desenchufado, una reinterpretación de éxitos más cuatro inéditos de la tijuanense con instrumentación a base de acordeón, cuerdas, xilófono, piano y clarinete, acompañada por Gustavo Santaolalla, La Mala Rodríguez, Marisa Monte, Jacques Morelembaum y Natalia Lafourcade, entre otros. Grabado en los estudios Churubusco de la Ciudad de México, es editado en formatos CD y DVD y se le promociona con una gira internacional.

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[1] Su debut fue el 24 de noviembre de 2005.

Playhouse Disney

Playhouse Disney ¡en vivo!

Auditorio Nacional

8 abril 2008

17-18:30 hrs

¡Meeska Mooska, que inicie la fiesta! – Mickey Mouse

Personajes clásicos y siempre vigentes

Desde 1997, Playhouse Disney ha sido uno de los programas para público en edad preescolar más existosos de la televisión por cable. Su contenido ha sido desarrollado por los reconocidos productores de programas infantiles Marilyn Sadler, Rick Gitelson y Roger Bollen, siguiendo estándares didácticos y con la intención de dotar a los jóvenes televidentes de habilidades para el aprendizaje que se centran en varias áreas: disposición para la lectura y las matemáticas, habilidades motrices, informáticas, para el pensamiento, la imaginación y la expresión creativa, relaciones sociales y actividades diarias. Por medio de personajes como los clásicos de Disney (Mickey y Minnie Mouse, el Pato Donald y Winnie Pooh), así como propios de la serie (Los Mini Einsteins o Handy Manny), los niños aprenden a interactuar con sus amigos jugando y participando en musicales, y de manera más notable, a adoptar un temprano gusto por la ciencia y el arte con la ayuda de Los Mini Einsteins, que como su nombre indica, son niños capaces de resolver situaciones con su ingenio y conocimientos.  

Todos los caminos nos llevan a la fiesta

El programa televisivo ya tan familiar para millones de niños, ha sido adaptado desde 2007 por la coreógrafa Nancy Gregory (The Little Rascals, Harry and the Hendersons, Elephant Parts, etc.) para su presentación en vivo en las principales ciudades del mundo. De dibujos animados a personajes tridimensionales, la obra aprovecha recursos propios del montaje teatral, así como el video, y versa sobre la historia de varios personajes que tienen que encontrar el modo de llegar a la fiesta de Mickey Mouse. En su camino, todos se encuentran con alguna distracción u obstáculo que deben sortear con la ayuda de los asistentes, quienes tienen que idear la mejor manera de transportar a sus amigos hasta la casa de Mickey, y hacerlo a tiempo.

Es interesante ver que aunque los personajes recientes –la carismática mensajera de Mickey, el obrero Manny García haciendo música con sus herramientas de trabajo, y el cuarteto de Mini Einsteins con sus acertijos y su nave- gozan de aceptación entre los niños, son los clásicos quienes se llevan desmedidas muestras de cariño, entusiasmo y atención: la ingenuidad del osito Winnie y las travesuras de su compañero, el hiperactivo Tigger, los llevan a desviarse junto a la pequeña Darby en el Bosque de los cien acres buscando miel y aventuras, e improvisar un musical con los sonidos de la naturaleza, mientras los infantes literalmente están sobre las butacas preocupados porque a sus amigos se les hace tarde.

A escena, Tribilín dando volteretas, Donald con su peculiar voz y moviendo su trasero gordo, sigue siendo el malhumorado más querido por chicos y grandes desde hace por lo menos 50 años. Finalmente los anfitriones, Mickey y su enamorada Minnie, se rehúsan a dar inicio al gran musical en su sala de estar hasta que los asistentes pronuncien las palabras mágicas aprendidas en la serie: ¡Meeska Mooska, Mickey Mouse!, una difícil contraseña que a los menos familiarizados con Playhouse, sin duda nos dejaría fuera de la fiesta y sin comprobar que aún con las innovaciones tecnológicas, los recursos mercadológicos y las actualizaciones que la compañía Disney lleva a cabo por distintos medios, sus personajes más entrañables siguen siendo vigentes en los afectos del público, y un innegable referente de la cultura popular en Occidente.

Ojo: Propongo poner a los protagonistas principales como texto extra, pues la obra es tan reciente que una cronología quedaría muy corta.

Los invitados

El Pato Donald y Tribilín. Su participación en el musical se limita a llegar a la fiesta bailando, brincando y animando a los niños a divertirse en este reencuentro con uno de sus amigos de antaño, el ratón Mickey.

Winnie Pooh, Tigger y Darby. Winnie se mete en aprietos y se pierde en el bosque por glotón. Como es usual, el olor a miel lo distrae y con él, Tigger encuentra pronto una manera de entretenerse, haciendo música con piedras y ramas, mientras su amiga Darby tiene que hacerlos entrar en razón: “llegar tarde es de animalitos maleducados”.

Handy Manny (o Manny a la obra). Latino de origen, Manny García es un obrero de la construcción que en el camino a la fiesta de Mickey, toma un descanso y junto a sus amigos, descubre que puede hacer música con sus herramientas de trabajo, las cuales imitan la forma y la voz humana.

Los Mini Einsteins. Leo, June, Quincy y Annie son los cuatro pequeños genios que gustan de conversar sobre ciencia y arte por igual. Viajan en su nave inteligente llamada Rocket, y su misión es resolver problemas o ayudar a amigos.

Los anfitriones

Minnie Mouse. La participación de la novia de Mickey es discreta. Ella tiene listos los bocadillos y recibe efusivamente a los invitados.

Mickey Mouse. La estrella del show, Mickey reparte invitaciones a sus amigos más queridos, incluidos por supuesto el público, y al iniciar la fiesta, es la voz principal del musical.

Backstreet Boys

Backstreet Boys

Auditorio Nacional

17 marzo 2008

21-23 hrs.

Epígrafe: “Puedes tener 13 ó 43 años y disfrutar de las canciones de Backstreet Boys, y eso es lo importante para hacer una larga carrera” – Brian Littrell

Reloaded, por decir lo menos

A algunos el paso del tiempo nos sienta mal y a otros peor, así que, ¿podrían los  Backstreet Boys contarnos cómo es que simplemente lucen reloaded? ¿Cuál es su secreto? Por ningún lado hacen sospechar que llevan 16 años de carrera. Pensar que en sus inicios, por ahí de 1992, la gran mayoría de sus fans aun se aplicaban loción para el acné antes de ir a dormir, ¡qué cosas! Ahora la gran mayoría ya está bien adentrada en los treinta o más. Hemos escuchado frases más halagadoras, seguro que sí, pero ni cómo hacerle, así es este juego. Dejémonos de ansiedades o de obsesionarnos con buscarle a los chicos las patas de gallo con nuestros binoculares de largo alcance, que con lo que traen hoy, ni a quién le importe tanto el pasado. 

Las sorpresitas que traen los de Orlando, Florida, van más allá de lo que entendemos como un concierto convencional. El performance preparado para hoy consiste en iniciar el recital desde un ring de boxeo, literalmente. Los integrantes se colocan en cada esquina, listos ya con calzoncillos, guantes y la adrenalina a mil para dar la pelea, si no del siglo, por lo menos de lo que se conoce como las Boy-Bands, aquella generación de grupos como New Kids On The Block, N’Sync y otros, de los cuales sólo los Backstreet Boys se han mantenido en combate y sin bajas significativas.

Puede que eso se deba no sólo a sus rostros atractivos, sino que detrás de ellos hay una cuidada producción de pop fincado en armonías vocales y sólidos ritmos negros, en especial de Rhythm and Blues, cortesía de varios productores, de los que destaca el talentoso Rodney "Darkchild" Jerkins (Michael Jackson, Whitney Houston, Lionel Ritchie…). Es el primer detalle que se nota en menos de cinco minutos de Larger than life: lo que estos chicos traen no son sólo baladas ni romanticismo, sino toda la intención de “apomponar la jamona”.

Tratamiento hormonal

En lo que respecta a los seguidores, quede la constancia de que éste ha sido el concierto que más cerca me ha puesto de la consulta con el otorrino. Velada con Backstreet Boys + tapones auditivos fue mi fórmula amiga de la noche, sin que ella impidiera, empero, resistirme a la seducción del cuarteto. Lo que ellos se traen con sus fans –no pocos varones- es algo que podríamos denominar un tratamiento hormonal; aquí hay una afectación de las sensaciones desde un nivel químico, estamos hablando de gonadotropinas, progesteronas y bilirrubinas interactivas, sustancias volátiles, sumamente inestables y a punto de ebullición; a ver quién controla a las chicas cuando lleguen a casa. Si no puedes conservar el pudor, pues ya qué, ¡suéltate el pelo! Luego añadamos que los BB se ponen a hablar quedo entre canciones, Nick el más galán se quita la camiseta y se moja el torso, Brian toquetea las manos de las de la primera fila, sus pasos de baile ponen el énfasis en los movimientos del glúteo… ¡en qué están pensando, chicas! No nos hagamos, aquí todo hace referencia a eso: cuando entonan I want it that way o Quit playing games. La intensidad cede un poco durante los hits y las baladas: Everybody, She’s like the sun, Nunca te haré llorar.

Lo de los BB no es omitir éxitos clave; éste ha sido un concierto generoso en tiempo y material, y todavía con muestras de las actividades extracurriculares de los integrantes: los trabajos solistas de Brian Littrel con su pop cristiano, el del chico malo A.J. McLean, muy en la vena de BB, la presentación del primer trabajo en solitario de Howie D. Y el pop a-hip-hop-ado de Nick Carter, quien además se la pasó bomba tocando solos de batería y desbordando pasiones.

Si estos guapos mantienen los réditos de la fama a distancia, las cosas pintan como para que nos acompañemos mutuamente en la celebración de nuestros “tres veces quince años”. O cuatro veces quince… Mejor dejémoslo así.

Cronología

1992-1995. Es un día soleado en Orlando cuando Lou “Big Poppa” Pearlman observa que los New Kids On The Block van de salida y se le ocurre hacer su propia versión de un grupo de chicos guapos capaces de armonizar y cantar a capella. Nace así Backstreet Boys con Nick Carter, A.J. McLean, Howie Dorough, Kevin Richardson y Brian Littrell como alineación original. Bob Curiano les compone, arregla y produce suficiente material para su primer homónimo, en 1995, y con Europa como mercado principal.

1997. Segundo disco homónimo pero ahora para distribución en Estados Unidos. Big Poppa se destapa como un estafador y el grupo lo despide. Su par de discos ha vendido hasta ahora más de 8 millones de copias.

1998. Una gira mundial se pospone cuando operan del corazón a Brian Littrell y la hermana de Howie D. muere de lupus. A finales del año, los BB recaudan cerca de 250,000 dólares que donan a los afectados de un tornado en Orlando. Esto les otorga las llaves de la ciudad.

1999. Reciben su primer disco de diamante por 10 millones de copias. Big Poppa se  convierte en una pesadilla, lo demandan varias veces, les ha robado más de 75% de regalías.

1999-2000. I want it that way es un sencillo sexy que funge como aperitivo de Millennium, LP del que se venden más de 12 millones de copias. Los chicos se vuelven multimillonarios. Nick romancea con Paris Hilton, Ashlee Simpson y otras famosas.

2000-2001. Black & Blue sucede a Millennium. Vende más que éste último, es el primer disco que cuenta con composiciones de los integrantes. Su gira mundial se caracteriza por tener una producción imaginativa y costosa.

2002-2004. Nick Carter publica su primer solista, Now or Never. El grupo tiene problemas legales con su sello. Brian es padre por primera vez. A.J. confiesa su adicción a las drogas en el programa de Oprah Winfrey. En 2004 visitan por primera vez la Ciudad de México y Monterrey, promocionando su LP Greatest hits.

2005. Material nuevo después de tres años. El padre de Kevin muere y éste le rinde tributo en el tema Never gone, homónimo del disco. Brian se vuelve cristiano y sus temas alcanzan el #1 en las listas cristianas. El disco tiene éxito modesto en E.U., Europa y Japón.

2006. Brian graba su debut solista, Welcome Home, otro éxito entre los cristianos. Kevin deja el grupo para continuar “otra etapa de su vida”.

2007.  Unbreakable se llama el primer disco de BB como cuarteto. Pop, rock, dance y otros géneros lo hacen un trabajo demasiado variado y las ventas no son buenas en casa. Realizan un gira mundial y visitan por primera vez el Auditorio Nacional.

https://web.archive.org/web/20170912065407/http://www.bitacoradelauditorio.com/2008/03/backstreet-boys-tratamiento-hormonal-en.html#more

Los grandes de La academia

Los grandes de La academia

24 febrero

19-22:30 hrs.

(Epígrafe) “El mundo está muy loco, yo creo que falta más amor. ¿Dónde están todas mi niñaaaaas?” – Víctor García

Y a ti, ¿te urge licenciarte en pop?

Qué bien que al menos una vez al año, los conciertos de La academia realizados en el Auditorio -y en particular esta reunión con lo mejor de cinco generaciones- continúan suscitando entre los aficionados al célebre reality show de TV Azteca ratos agradables, suspiros y hasta ambiciones escondidas, como muestra el siguiente texto que una apasionada fan mandó a la redacción de CAN…

- Hola, ¿hablo a La academia?

- Sí, ¿en qué podemos ayudarte?

- Es que ayer fui al concierto de "Los grandes de La academia" y me pasó algo muy extraño. Me cuesta trabajo explicarlo, pero lloré porque sentí el llamado del estrellato, despertó algo que había estado dormido en mí. Yo quiero ser así, como ellos. Sueño con ser una estrella y tengo entendido que ustedes pueden asesorarme para lograr mi cometido.

- No busques más, este es el lugar adecuado. Lo que tú necesitas es licenciarte en pop, y no puedes hacerlo con mejores calificaciones que en La academia. Pero vamos por partes. Dime, ¿qué es lo que más te conmovió del concierto, y qué mejorarías del mismo?

- Para empezar, me encanta que los novatos hayan tenido tanto tiempo para mostrar su talento, pero digamos que aún son demasiado bebés. Me desesperé mil por ver a los míos: los grandes. Sólo de pensar en Yahir y Víctor, me recorría un escalofrío por la espina dorsal…

- Si éste es tu llamado, sabes entonces que sólo se empieza siendo bebé

- Tienes razón amigo, es que me quiero comer el pastel de sólo un mordisco. Soy tan impulsiva. Del concierto mejoraría… ay, es que pierdo la objetividad. Mira, lo peor es que Víctor no me subió al escenario. Eso sería el primer detalle que no encaja.

- Me gusta escuchar en ti ambición, pero también debes aprender a planificar, a…

- Entraría de lleno con los grandes. Es que no se debe jugar con la expectación de las chicas como yo. Erika, Samuel, Estrella, Carlos y Erasmo me caen bien, los bailarines son de lujo y los intérpretes sorpresa como José Luis, Marco y Fredy ofrecieron presentaciones bastante animadas, pero si somos sinceros, cinco años de La academia han probado que aquí los de más callo son tres, y uno tiene que esperar hasta el final para velos. ¡Es una tortura! Nadia es una chica súper linda, tiene lo suyo, es carismática, pero aquí entre nos, yo canto mejor que ella…

- Ya tendrás tu oportunidad para manifestarlo

- Además, el mariachi que traía no es lo mío, yo que soy una chica que sueña con baladas pop románticas. Creo que sus fans tampoco estaban muy convencidos.

- Es bueno diversificar el catálogo discográfico, no perder la capacidad de sorprender a la gente…

- Bueno, no creas que estoy diciendo que estuvo mal, pero por ejemplo, yo con los temas de amor me derrito, especialmente cuando son interpretados por Myriam.

Las estrellitas en la frente son para los más aplicados

- Así que Myriam te simpatiza…

- Uf, no sabes cuánto, ¿dónde guarda semejante vocerrón? Por las noches pongo su disco en mi ipod y mentalmente imito su voz. ¡Yo estoy aprendiendo a cantar con Myriam! La chica es una diva a punto de la consagración. Es que la comparas con todas esas baladistas y dizque róckers con años de carrera, y se las lleva de corbata. Es la mejor exalumna de La academia. Me gustó tanto su interpretación de “Perfume, pecado original”. Ahora sí que como en la prepri: sólo los más aplicados consiguen las estrellitas de la miss, y Myriam ya tiene varias en la frente.

- Tienes palabras muy afectuosas para Myriam…

- Y no tengo menos para mis rorros. Debiste ver cómo me estuve mordiendo las uñas esperando a Yahir. Casi me desvanezco, es que es tan atractivo, sus baladas tan tiernas. Merece ser tan exitoso, pero no está completo sin una mujer como yo a su lado.

- Presiento que estás por contarme lo mejor…

- Déjame planteártelo como la bomba que fue para mí: Víctor es pura sensualidad vestida de cuero negro, ¡él es el hombre que yo merezco! Me conquistan sus susurros al micrófono. Su interpretación, sus guiños, sus movimientos de cadera… ahh, despierta mis anhelos más íntimos de mujer.

- Vaya, ¡qué diagnóstico! Tú tienes claro cuál es la clave para ser una grande de La academia, y a mí me urge que vengas ya a nuestras instalaciones, de hecho no puedo comprender cómo es que tardas tanto y por qué no me das de una vez tu autógrafo. ¡En La academia te estamos esperando desde siempre!

(En CAN ya se han hecho cronologías de las pasadas ediciones del evento, propongo el siguiente anexo para evitar repeticiones)

¿En qué andan dos consentidos de La academia? Buenas nuevas de Nadia y Yahir que caerán como deliciosas golosinas a los fans:

Nadia: Cuatro discos en su haber y una de las graduadas más famosas presenta esta noche su quinto trabajo de estudio, Un poco de tus besos, con temas de Amaury Gutiérrez, Angel Reyero y Reyli, entre otros. Para este disco, la oriunda de Oaxaca deja en suspenso la onda grupera que le procuró un excelente número de fans y ventas. Producido por Armando Avila, alias “El Rey Midas”, responsable de los éxitos de RBD, Aleks Syntek y la quinta estación, el disco tiene amplias posibilidades de consolidar a Nadia no sólo como una de las mejores de La academia, sino del medio artístico.

Yahir: El galán capaz de llenar el Auditorio con su sola presencia ha solicitado la colaboración de Mario Domm y Robby Draco como productores de su nuevo disco, lo que presagia un conjunto de estilos que van del funk, la balada pop y el rock. Domm ha trabajado con Alejandra Guzmán, Sin bandera, Reyli y Kalimba, además de su proyecto personal, Camila. Draco inició su carrera como integrante de Menudo y se le atribuyen los sencillos más conocidos de Ricky Martin. También ha colaborado con Julio Iglesias y Ednita Nazario. Dos ganadores del Grammy que podrían proporcionar a Yahir la plataforma ideal para convertirse en un artista internacional. 

Evanescence

Evanescence

Auditorio Nacional

4 noviembre 2007

9 – 10:30 pm

“Es difícil ser yo todo el tiempo” – Amy Lee

O

“Nuestra música es épica, dramática, rock oscuro” - Amy Lee

Azabache grisáceo

Escucho al señor del puesto de tamales que está al pie del Auditorio preguntar a uno de los fans Evanescence si acaso se les perdió “el jalogüin”, porque los nota con la  cara muy larga y todos de luto. Seguramente no sabe que, en teoría, es una noche dark. No faltará quienes estén en desacuerdo con que a este grupo se le tilde de dark, quienes consideren a la vocalista la Avril Lavigne oscura, y en parte tienen razón. No sólo se trata de un grupo cuyo éxito recae principalmente en explotar la imagen de chica maltratada por la vida (algunos nombres de sus canciones: “Caída”, “Devuélveme la vida”, “La tonta de todos”, “Perdida”, “Dejar de respirar”, “Llámame cuando estés sobrio”, “Litio”), sino que la misma Amy Lee no se cansa de contarle a la prensa cómo ha sabido sobreponerse a su condición de epiléptica, esperando acaso una medalla por ello. A su favor tiene el haber aprovechado la popularidad del nu-metal y el emo tan en boga a finales de los noventa, darle un “toque femenino” y añadir piano a las letras confesionales, las guitarras chillonas y los ritmos derivados del rap y hip hop asociados con esos géneros.

Sus invitados, los angelinos Julian-K, inician durante aproximadamente media hora con un tecno-metal bastante agresivo y glamoroso; se le podría definir también como un tecno-sexual con strip-tease del musculoso vocalista y gemidos pregrabados, muy en el estilo de My Life With The Thrill Kill Cult y Orgy, su banda previa. La elección de este grupo como telonero oficial tal vez se deba al moderado cambio de dirección en los intereses temáticos de Evanescence, desde que Lee se quedó como líder única tras despidir a los co-fundadores, quienes insistían en convertir al quinteto en un grupo de rock cristiano. Con una visión más optimista ahora que está recién casada, ya no hay pretexto para seguir en la misma línea de derrota y depresión.

Si bien sus canciones siempre han tenido ese componente de delicadeza con Lee al piano, y estruendo guitarrero, las letras muestran un cambio notable: “es importante que le demos una nueva intención a lo negativo que nos presenta la vida, para no quedarnos estancados con lo malo”, afirmó recientemente. Con nuevos bríos y banda restructurada, Amy editó The Open Door en 2006. Junto a su nuevo compañero de composición, Terry Balsamo, siente que ha logrado “expresar un rango más amplio de emociones: no sólo tristeza y dolor, sino también furia y sí, incluso felicidad”.

Épicas sin sorpresa

Lee se presenta con vestido de crinolina rosa y sus guitarristas con máscaras de personajes de películas de terror, un contraste similar apreciable en las canciones. Ella comienza Lose Control con vocalizaciones aniñadas, a la mitad de la canción entran las guitarras y los gritos, y el experimento suena como si Tori Amos se uniera a Korn. Aunque el objetivo de la presente gira es la promoción de su disco más reciente, la selección de temas es bastante diversa. Se puede escuchar material de sus primeros EPs (Missing, dedicada a los fans y Bring Me To Life) así como éxitos actualmente programados en radio y canales de video (Call Me When You’re Sober). Todas las canciones que han tenido un lugar relevante en las listas de popularidad son interpretadas: Hauted, Sweet Sacrifice, Lithium, Going Under, Whisper, una versión muy sentida de su canción de amor Good Enough al piano y el tema estrella: My Immortal.

Imposible discutir la popularidad de Evanescence. Difícil que 15 millones de álbumes vendidos auguren un cambio importante en el sonido o la temática. El melodrama casi siempre es clave de éxito, y mientras tantos chicos que no pasan de los 20 años se vean reflejados en los sufrimientos de Amy Lee, es improbable que vaya contra la corriente. Pero sería interesante que una vez más distanciada de su depresión adolescente y de los vínculos cristianos que tanto la molestaban, explore sus preocupaciones y exponga su vida personal con una perspectiva más amplia, de manera que no suene a fórmula. Como dicen: renovarse o morir.

Cronología

1998 Amy Lee, cantante y pianista con entrenamiento clásico, conoce al guitarrista Ben Moody en el estado sureño de Arkansas, EEUU. Descubren su afición común por Meat Loaf y varios grupos de metal. Sus primeras canciones son Solitude, Give Unto Me y My Immortal. Se convierten en uno de los grupos locales más conocidos.

2003 Después de varios EPs, firman contrato con la disquera Wind-Up para editar Fallen, LP que permanece casi un año en las listas Billboard y logra varios discos de platino. Bring Me To Life es el sencillo que les da reconocimiento en el extranjero. Es este año Moody renuncia aduciendo “diferencias creativas”.

2004 Anywhere But Home es un DVD/CD que recopila un concierto en París, canciones en vivo y un cover a Korn.

2006 The Open Door es su tercer disco. Durante la promoción, el bajista Will Boyd, John LeCompt y el baterista Rocky Gray salen del grupo. El último ha declarado que el sello les prohibe legalmente discutir los motivos.

2007 Su gira mundial ha durado más de un año. Visitan por primera vez Latinoamérica.

Bloc Party

Bloc Party

Auditorio Nacional

19 septiembre 2007

21 – 22:30

“La vida apesta y tienes que mirarla directamente a los ojos” - Kele Okereke

o

“La verdad es relativa. Nuestra verdad es la mentira de todos los demás” – Gordon Moakes

El ritmo vuelve a dar escalofríos

¿Cómo? ¿Uno más de las decenas de exponentes “indie” que no hacen sino relecturas de glorias pasadas y ajenas, los Interpol o Franz Ferdinand que se sacaron el gordo asimilando la rebeldía post-punk? Una primera impresión indicaría que sí, aquí entre miles de adolescentes con vestimenta homogénea y despeinado de salón. Pero hay un detalle de este grupo que no cuadra en el perfil de los revivalistas, algo especial y absolutamente político: el líder es un chico negro, su orientación sexual es ambigua, proviene de un barrio pobre del este de Londres, su familia es una segunda generación de negros establecidos en un país que se resiste con empeño a la inmigración y la diversidad racial. Es inevitable que las canciones de Bloc Party suenen distintas, mejores cuando uno lee a Kele Okereke en las entrevistas, reflexionando sobre el significado de ser siempre “El Otro”, charlando articuladamente acerca de su afición por la literatura inglesa, de su incapacidad para verse a sí mismo como un frontman típico. En su sitio web cuelgan frases de Bertrand Russell sin ningún complejo. Y los dientes de la otrora “clase obrera” rechinan: Liam Gallagher de Oasis y otros  hooligans del pop los odian. Pero nada de solemnidad porque Okereke no pierde por un instante el gusto por la chacota y la fiesta.

No es que a la gran mayoría de sus seguidores le interese escucharlos más allá de los hits del momento, pero es destacable que el grupo se las arregle para distanciarse de su generación y dejar de repetir ese vicio de recurrir descaradamente al pasado, y en lugar de ello hablar del espíritu de su tiempo con sinceridad, sin tonos moralinos y ritmos de lujo, porque de eso van los Bloc Party, de dar “primal screams” en forma de canciones que no duran más de tres minutos de total nerviosismo y expectación. Heredaron la destreza de Magazine, la velocidad de The Feelies y el populismo de U2; en sus volubles temas no se sabe bien a bien dónde está el estribillo, el final llega por sorpresa, el baterista tiene aproximadamente media docena de brazos y simbiosis con el chico del bajo, en tanto quien canta hace las crónicas más interesantes del English way desde Damon Albarn (Blur): la sensación de estar hasta el tope de todo los fines de semana en Sunday, ponerse en los zapatos de una víctima fatal del racismo en Where Is Home, o reconocerse como uno entre tantos que han cedido a la política del miedo y ahora “observa su entorno desde el techo, con una escopeta en la mano” en la enorme Hunting For Witches, tremenda manera de abordar temas políticos sin adoctrinar al escucha.

Rock de estadio. No como lo conocemos.

La clave de todo el brincoteo y griterío entre los fans es que BP aspira a ser más que el grupo del momento para escucharse en la habitación o estaciones de radio universitarias, no les interesa ser “indies”; por el contrario, lo común en su par de discos es una clara intención por crear himnos generacionales, un sonido masivo, rock de estadio mucho más aventurado e imaginativo de lo que haría Coldplay o los mismos Interpol. De estas aventuras grandilocuentes, los éxitos de Silent Alarm (Banquet, Helicopter, Like Eating Glass) son los causantes del mosh pit auspiciado por Okereke, mas los temas del segundo LP, un trabajo más ambicioso, emotivo y arriesgado que el primero, desconciertan a quienes sólo quieren bailar y alegran a quienes aprecian sorpresas en los conciertos masivos: cambios frecuentes de ritmo y ánimo, escapatorias creativas al tedio, secciones irreconocibles de canciones que se salen del guión… Bloc Party son los chicos que en las fiestas se la pasan en el balcón tomando bocanadas de aire fresco, y sus conciertos son la reconciliación entre las convenciones del rock masivo y el espíritu inusual y espontáneo del post-punk.  

Cronología Bloc Party

2002 Kele Okereke y Russell Lissack comienzan a componer juntos. Más tarde, Gordon Moakes y Matt Tong se unen a la sección rítmica.

2003 Logran incluir The Marshalls Are Dead en una recopilación y dos meses más tarde Trash Aesthetics los ficha con el tema She’s Hearing Voices, escuchado por el DJ Steve Lamacq de la BBC y Alex Kapranos de Franz Ferdinand. El primero lo califica de “genial” y el segundo invita al grupo a ser telonero. Banquet es editado por Wichita Recordings, quienes financian su primer LP.

2005 NME considera Silent Alarm el disco del año, alcanza el tercer lugar en las listas de popularidad, así como los sencillos So Here We Are, Banquet, Helicopter y Pioneers. La prensa estadounidense les da excelentes notas y hacen un tour de 18 meses en ese país.

2006 Colaboran con The Chemical Brothers, Ladytron, M83, Death from Above 1979, Four Tet y Mogwai en Silent Alarm Remixed.

2007 Se presentan por primera vez en el Auditorio Nacional, en el marco de su gira mundial para promover el segundo LP, A Night In The City; un trabajo con letras más personales y directas. El sonido retoma la profundidad rítmica del productor de hip hop Timbaland, la detallada neurosis de Aphex Twin y la técnica vocal de Kate Bush; el resultado es un disco más grandilocuente, a la vez de atmosférico y depresivo.

Babasónicos

Babasónicos

Auditorio Nacional

6 septiembre 2007

20:30 – 22 hrs.

Encabezado:

“A lo que aspira Babasónicos es volarle la cabeza a quien lo escuche”  (Diego Uma)

Epígrafes:

“Conozco su colmo y ustedes conocen el nuestro” (Adrián Dárgelos)

“Cuando entramos al show dejamos de ser personas, entramos en una especie de trance. Ya no eres alguien en especial; eres un engranaje más de la maquinaria de Babasónicos” (Adrián Dárgelos)

Ciempre Belcebú

Desde hace algunos años se rumoraba que el príncipe de las tinieblas había depositado una semilla infecta de ruido rabioso en Sudamérica. Las primeras evidencias se dieron a conocer por cazadores de fenómenos inusuales, vigilantes que atestiguaron el nacimiento de algunos bebés con guitarras integradas que interferían con altavoces de nosocomios, tergiversando los llamados de emergencia y alterando hasta los marcapasos de sus abuelitos, y que ya crecidos se apropiaron de los amplificadores de la ciudad y cuanto territorio les apeteciera ocupar. Entre esos hijos del voltaje sin recato se encontraba un chico  llamado Adrián Dárgelos alias "Ciempre", un agitador sónico cuya personalidad magnética lo llevó a liderar una pandilla de mozalbetes adictos al rock. Todos se compraron instrumentos y se fueron a vivir a una comuna en Lanús, localidad de Buenos Aires, a finales de los ochenta, cuando los DJs y las estaciones de rock de las principales ciudades del mundo se volcaban al rock ácido bailable, influído por el hedonismo del éxtasis, los raves y la fascinación que provocaba el sonido Madchester, con Stone Roses, Primal Scream y Happy Mondays como principales exponentes. "Ciempre" y compañía retomaron el espíritu en su flamante grupo bautizado en honor a nada menos que el gurú hindú Sai Baba y los dibujos animados Supersónicos: Babasónicos.

Mucamas en el aire

Así fue el inicio de su inconfesable plan maestro: dominar el mundo en base a un rock poco ortodoxo que permitía experimentaciones con el funk, hip-hop, soul y disco, entendidos desde la extravagante perspectiva de Dárgelos, poseedor de un delirante y perverso sentido del humor que asalta las conciencias más nobles, como muestra un breve repaso por su repertorio lírico: “Clase gata”: “Llévame hasta el hospital / a la maternidad / que voy a dar a luz / enfermeras muy sexies / Estoy en llamas de emoción / aire provocador / mueren por atenderme / Y ahora con provocación / con aire superior / te invita al confort / la mucama del aire”; el infarto al miocardio feminista que provoca la controversial “Putita”: “El camino a la fama / no significa nada / Si no hay una misión/ ¿cuál es? / Hacerte muy putita, probar tu galletita / Con toda devoción” o una de las favoritas del público mexicano, “Pendejo”: “Hola chicas, soy su amigo / no parezco inofensivo, en serio / lo hago por la amistad / soy el as de los bastardos / la traición está a mi cargo / […] mi nombre no es lo importante / Pendejo.”

“No dejen que nadie les quite la risa” – Dárgelos

Con ganas de ver a estos doctorantes de la filosofía del absurdo se encuentra hoy una chaviza que de manera masiva los sigue tras el éxito de Jessico y la programación constante de sus videos en MTV Latino, pero también hay algunos veteranos que los han seguido desde sus inicios en el DF, cuando se presentaban en hoyos fonquis, a las afueras de preparatorias populares o en salones de fiesta. Con los años se han vuelto mejores compositores y en el estudio han diversificado la paleta de sonidos, mas la continuidad que distingue a los Babasónicos es el desenfado, y es que estos argentinos han sabido burlar  durante los últimos 15 años y de manera hilarante la corrección no sólo de las buenas conciencias, sino en particular de ese rock latinoamericano que, así pasen décadas, no cesan en su aspiración por llenar estadios, con mensajes de amor, paz, buenos sentimientos, y conscientizar a sus pasivos escuchas… de todos aquellos que aspiran a ser U2 en español, a los que esperan recibir el Nóbel mientras convierten al rock en un discurso moralino y asimilado, y sobre todo, aburrido. Los fans de Babasónicos comparten con el vocalista la irreverencia por las formas. Si bien no es para afirmar que en este toquín “todos somos Babasónicos”, lo cierto es que la mayoría estamos despeinados, aburridos de los rockers encorbatados, y con ganas de regresar a casa con más marañas capilares y tinnitus. La recompensa son cinco sujetos vestidos con capas púrpura, cual monjes sicodélicos con ráfagas de rock renovadas y encabezados por un pibe que no le interesa ser el representante de todos los hombres o el mensajero de algún ente superior; son chicos que sólo quieren echarse unas risas acompañadas de un puñado de buenas canciones, sin mañas, sin accesorios cursis y en cambio una enorme dotación de bromas. Empero las dificultades técnicas y lo breve del concierto, el repaso que hacen de sus ocho álbumes es un obsequio inusual en su repertorio: además de los jocosos Putita y Pendejo, Carismático, Risa y El Colmo dejaron la sensación de que una bola de risa como caída del Cosmos y su Dios bufonesco nos aplastaría en cualquier momento. Hacia la salida parecía que la gran mayoría de los asistentes habían comido payaso. ¿Qué? ¿Que existen mejores métodos para medir un buen concierto? No me hagas reír…

Cronología discográfica

* Pasto (1992). Adrián Dárgelos, Diego Castellano, Diego Uma, Uma-T, Gabo y Mariano Roger Sónico sólo salen de los linderos de su comuna para hacer rock. Catorce temas, incluído D-generación, conforman el debut de Babasónicos, con Gustavo Cerati como invitado especial.

 * Trance Zomba (1994). Se incorpora a la alineación oficial DJ Peggyn, con lo que el sonido del grupo se vuelve más bailable. Parte de “Trance…” son las divertidas "Poder Ñandú" y “Posesión del tercer tipo”. En tanto, el sexteto es telonero de INXS y Depeche Mode en Argentina.

   

* Dopádromo (1996). Del rock bailable a un maratón de sicodelia: los videos “El ciervo” y “El medium” exponen al grupo más allá de las fronteras argentinas y lo convierten en uno de los principales exponentes del rock latinoamericano.

   

* Babasónica (1997). Trece cortes de sarcasmo locuaz. Los sencillos “Seis vírgenes descalzas”, “Sátiro” y “El Adversario” distinguen a Dárgelos de sus contemporáneos como un lirista que no compromete su retorcido humor con modas o convenciones. 

   

* Miami (1999). Un disco flojo y que comercialmente pasa desapercibido. DJ Peggyn abandona el grupo para comenzar una carrera en solitario como “Jimmy Dolor”.

* Groncho (2000). Lados B del disco Miami. Ante la negativa de la disquera Sony por editarlo, Babasónicos crean su propio sello, Bultaco Records, en el que también publican Babasónica electronica.

* Babasónica electronica (2000). El disco homónimo remezclado en la fase más electronica de la banda. Incluso su portada y tipografía son un homenaje a Kraftwerk.

   

* Jessico (2001). Considerado por críticos (Les Inrockuptibles, Rolling Stone) y fans como el mejor disco, Jessico se aleja de la experimentación y la sicodelia para adentrarse al pop más tradicional. El resultado: ventas millonarias, nominaciones al Grammy latino y giras internacionales.

   

* Infame (2003). Un regodeo de chistes polémicos con “Putita” y “La puntita” como claros ejemplos, con influencias de rock bailable, proto-metal, glam y el bolero, pero no tan interesante como Jessico.

   

* Anoche (2005). Una producción más cuidada y con el músico Carca proveyendo vocales en el tema “Falsario”. Las parodias de Dárgelos se mantienen en un nivel aceptable de corrosión, como cuando a la novia la equipara con una yegua esplendorosa. Empero, el disco les significa su trabajo más melancólico e introspectivo.

Canciones interpretadas

Intro

Ciegos por el diezmo

Sin mi diablo

Pendejo

Muñeco

Fizz

Carismático

Rubí

Puesto

Suturno

Yegua

Un flash

Exámenes

El colmo

Putita

Coralcaraza

Así se habla

Luces

Irresponsables

Pobre duende

Sobre la hierba

Curtis

Y qué

Falsario

Risa

Deléctrico

Solita

Camarín

Capricho

Los calientes

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